Red Hot Chili Peppers

[Adrian. A.]

Red Hot Chili Peppers — американская рок-группа, образованная в 1983 году в Калифорнии вокалистом Энтони Кидисом, басистом Майклом Бэлзари (больше известным как Фли), гитаристом Хиллелом Словаком и барабанщиком Джеком Айронсом. В музыке сочетаются элементы альтернативного рока, фанка, панк-рока и психоделической музыки. Во всём мире проданы около 60 миллионов копий их альбомов.

История

Эта группа была основана в 1983 году Энтони Кидисом (вокал), Хиллелом Словаком (гитара), Майклом Бальзари «Flea» (бас) и Джеком Аиронсом (барабаны).

В первый раз группа обратила на себя внимание во время выступления в клубе «Rhythm Lounge» с песней «Out In LA», где четвёрка сразу обрела своих первых поклонников. После группа переименовалась в «Red Hot Chili Peppers». Cпустя несколько месяцев после премьеры, группа подписала контракт c EMI.

В то время Словак и Аиронс были связаны с другой группой «What Is This?», которая в свою очередь выгодно заключило договор с MCA. Это вынудило их покинуть группу, после чего их место заняли Клифф Мартинес (барабаны) и Джек Шерман (гитара). Надо заметить, что Джек Шерман отличался по стилю игры от «Red Hot Chili Peppers».

Продюсером дебютного альбома группы «The Red Hot Chili Peppers» стал Энди Джилл. Джилл оказывал сильное давление на группу, в результате чего между ними сложились напряженные отношения. Альбом «The Red Hot Chili Peppers» вышел 10 августа 1984 года и не имел никакого коммерческого успеха. Плохие отношения между Кидисом и Шерманом привели к увольнению гитариста. Но к счастью, в это время в группу вернулся Словак.

Продюсером второго альбома стал Джордж Клинтон. Выпущенный 16 августа 1985 альбом «Freaky Styley» тоже не был коммерчески успешным, однако, в отличие от своего предшественника, более точно отражал стиль RHCP. В это время группу покинул Клифф Мартинес, а место занял вернувшийся в группу Джек Аиронс.

Продюсером третьего альбома выступил Майкл Беинхорн. Благодаря оригинальному составу группы, новый альбом «The Uplift Mofo Party Plan», вышедший 25 июня 1987 года, имел успех. Одновременно с тем Словак испытывал серьёзные проблемы с наркотиками, что привело к его смерти 25 июня 1988 года. Смерть Хиллела Словака стала огромным потрясением для группы, в результате чего Кидис уехал из города, а Джек Аиронс навсегда покинул RHCP, заявив, что он «не хочет быть частью того, что убивает его друзей». Flea занялся другими проектами.

Через некоторое время группа приступила к работе над новым альбомом. Для этого было необходимо найти нового гитариста и барабанщика. Через знакомых Кидис и Flea вышли на Джона Фрусчанте, поразившего их своей игрой до такой степени, что вопрос о его участии в группе был мгновенно решен. Оставалось найти только ударника. Группе посоветовали обратиться к Чеду Смиту, на котором они и остановили свой выбор после прослушивания. В августе 1989 года вышел новый альбом «Mother's Milk», включавший в себя песни, в будущем ставшими хитами. Альбом был посвящён памяти Словака.

В 1990 году Red Hot Chili Peppers подписали контракт с Warner Bros, а продюсером нового альбома стал Рик Рубин. На время работы над альбомом участники группы уединились в особняке. 24 сентября 1991 года вышел альбом «Blood, Sugar, Sex, Magik», ставший одним из лучших альбомов группы. Red Hot Chili Peppers попали на обложки самых известных журналов.

Во время одного из туров в Азии Джон объявляет о своём уходе. Заменой Фрусчанте стал Арик Маршалл, который не смог вписаться в коллектив. После него в группу взяли Джесси Тобиса, который продержался также не долго. В 1993 году в группу был приглашён Дэйв Наварро.

Затем Red Hot Chili Peppers присупили к работе над альбомом «One Hot Minute». Альбом вышел 12 сентября 1995 года и явился коммерчески успешным, а песни «Aeroplane», «Warped» и «My Friends» стали хитами. Группа принимает участие в записи саундтреков, например «Hard Charger» к фильму Говарда Стерна, «Love Rollercoaster» к мультфильму «Beavis and Butt-Head Do America» («Бивис и Баттхед уделывают Америку») и др. В апреле 1998 Наварро покинул группу из-за творческих разногласий.

В апреле 1998 Flea навестил Джона и официально пригласил его обратно в группу. Впервые за шесть лет группа воссоединилась. 8 июня 1999 года вышел седьмой студийный альбом «Californication», ставший успешным сразу после своего выхода. Ещё три песни стали хитами: «Scar Tissue», «Otherside», «Californication». В 2000 году, песня «Scar Tissue» была удостоена премии Грэмми, в номинации Best Rock Song. В 2001 году они выпустили первый DVD концерта.

9 июля 2002 года вышел восьмой альбом Red Hot Chili Peppers — «By the Way». В 2006 году вышел «Stadium Arcadium», награждённый премией Грэмми. В начале 2007 года Red Hot Chili Peppers выиграли 5 номинаций Грэмми: «Лучший Рок-альбом» («Stadium Arcadium»), «Лучшая песня» («Dani California»), «Альбом года» («Stadium Arcadium»), «Лучший клип» («Dani California»), «Лучший продюсер» (Рик Рубин).

Текущий состав

* Энтони Кидис (англ. Anthony Kiedis) — вокал
* Джон Фрусчанте (англ. John Frusciante) — гитара, бэк-вокал
* Фли/Майкл Бэлзари (англ. Flea/Michael Balzary) — бас-гитара, бэк-вокал, труба
* Чад Смит (англ. Chad Smith) — барабаны

Бывшие участники

* Хиллел Словак (англ. Hillel Slovak) — гитара
* Джек Айронс (англ. Jack Irons) — барабаны
* Джек Шерман (англ. Jack Sherman) — гитара
* Клифф Мартинес (англ. Cliff Martinez) — барабаны
* Дейв Наварро (англ. Dave Navarro) — гитара

Дискография

* The Red Hot Chili Peppers (10 августа 1984)
* Freaky Styley (16 августа 1985)
* The Uplift Mofo Party Plan (23 сентября 1987)
* Mother's Milk (16 августа 1989)
* Blood Sugar Sex Magik (24 сентября 1991)
* What Hits!? (1992)
* Out In L.A (1994)
* One Hot Minute (12 сентября 1995)
* Californication (8 июня 1999)
* By the Way (9 июля 2002)
* Live In Hyde Park (2004)
* Greatest Hits (2003)
* Stadium Arcadium (9 мая 2006)


Пи. Си. Реконструированная гитара Джона Фрусчианте.
В настоящее время принадлежит Александру Евсенко (гитаристу группы "Метро").
Возможно, скоро я буду на ней играть.

Фотография

@темы: исполнители, музыка

---

The Beatles

[Les Poll]

The Beatles («Битлз»; отдельно участников ансамбля называют «битлами», также «битлзами») — британская рок-группа, внёсшая большой вклад в развитие рок-музыки. Aнсамбль не только изменил её, но и достиг беспрецедентной популярности, благодаря чему The Beatles стали одним из ярких феноменов мировой культуры 60-х гг. XX века.

История

Истоки (1956—1960)

Корни ансамбля уходят в середину 1950-х гг., эпоху рок-н-ролла, которая сформировала мировоззрение и музыкальные вкусы будущих участников группы. Весной 1956 года Джон Леннон (1940—1980) впервые услышал песню «Heartbreak Hotel» Элвиса Пресли, которая, по его словам, означала конец всей прежней его жизни (интересно отметить, что услышанный им прежде Билл Хейли — самый популярный исполнитель рок-н-ролла до Пресли — произвёл на него меньшее впечатление). К тому времени Джон играл на губной гармошке и банджо, теперь он стал осваивать гитару. Вскоре вместе с товарищами по школе он основал группу Quarrymen, названную так в честь их школы, Quarry Bank. Куорримен играли скиффл — британскую разновидность любительского рок-н-ролла — и старались походить на тедди-боев. Летом 1957 года Леннон во время одного из первых концертов Куорримен познакомился с 15-летним Полом Маккартни, который поразил Джона знанием аккордов и слов последних новинок рок-н-ролла (в частности песни «Twenty Flight Rock» Эдди Кокрана) и тем, что он явно был лучше развит музыкально (Пол также играл на трубе и фортепиано). Весной 1958 года для эпизодических выступлений, а с осени — постоянно к ним присоединился друг Пола, Джордж Харрисон (1943—2001). Именно эти трое стали основным костяком группы, для остальных же участников Куорримен рок-н-ролл был временным увлечением, и вскоре они отпали от коллектива.

Quarrymen эпизодически играли на различных вечеринках, свадьбах, общественных мероприятиях, но до настоящих концертов и записей дело не доходило (правда, в 1958 году за свои деньги они из любопытства записали пластинку с двумя песнями); несколько раз участники расходились (так, у Харрисона некоторое время существовала своя группа). Леннон и Маккартни, вдохновившись примером Бадди Холли и Эдди Кокрана (те не только пели, но и сами играли на гитарах и сами сочиняли песни, что не было повсеместной практикой музыкальной индустрии того времени), стали вместе писать собственные песни, при этом они решили давать им двойное авторство по аналогии с американскими авторскими коллективами вроде Лейбера и Столлера. В конце 1959 года в группу вошёл начинающий художник Стюарт Сатклифф, с которым Леннон познакомился в своём арт-колледже. Игра Сатклиффа не отличалась большим мастерством, что неоднократно вызывало раздражение у требовательного Маккартни. В таком виде состав ансамбля оказался почти завершённым: Джон Леннон (вокал, ритм-гитара), Пол Маккартни (вокал, пианино, гитара), Джордж Харрисон (лидер-гитара), Стюарт Сатклифф (бас-гитара). Однако существовала проблема — отсутствие постоянного ударника, что побуждало музыкантов даже устраивать шуточные конкурсы, приглашая на сцену зрителей в качестве барабанщиков.

Имя

К тому времени группа активно пыталась встроиться в концертно-клубную жизнь Ливерпуля и окраин. Следовали конкурсы таланта один за другим, но группе постоянно не везло. Такие — более серьёзные — мероприятия заставили музыкантов задуматься о подходящем сценическом имени — к Quarry Bank никто из участников отношения уже не имел. Так, например, на местном телевизионном конкурсе в декабре 1959 года группа выступила под именем «Johnny and the Moondogs», которое было заменено на другие на последующих концертах. Название «The Beatles» появились через несколько месяцев, в апреле 1960 года. До сих пор нет однозначного ответа, кто именно придумал это слово. Согласно воспоминаниям участников группы, авторами неологизма считаются Сатклифф и Леннон, которые были увлечены идеей придумать название, имеющее одновременно разные значения. За пример была взята группа Бадди Холли The Crickets («сверчки», однако для англичан был и второй смысл — «крикет»). Леннон заявил, что название он придумал во сне: «Я увидел человека на пылающем пироге, который сказал: „Пусть будут beetles“». Однако просто слово Beetles («жуки») не имело никакого двойного смысла; лишь изменив «e» на «a» появилось оригинальное слово: если произносить его, то слышалось «beetles», но если видеть его напечатанным, то сразу бросался корень «beat» (как бит-музыка). Промоутеры находили имя слишком коротким и «неброским», поэтому музыканты были вынуждены первое время изменять своё имя на афишах на более рекламное — «Long John and The Silver Beetles». Группа получала всё больше и больше предложений выступить — как правило, в пабах и маленьких клубах. В апреле 1960 года The Beatles отправились в своё первое небольшое турне по Шотландии в качестве аккомпанирующей группы Джонни Джентла. Их мастерство как музыкантов неуклонно росло, хотя они продолжали оставаться одной из многих безвестных рок-н-ролльных групп Ливерпуля.

Летом 1960 года The Beatles получили приглашение играть в Гамбурге, где владельцы клубов были заинтересованы в настоящих англоязычных рок-н-ролльных ансамблях; тот факт, что в Гамбурге уже играли несколько ливерпульских групп, оказался на руку The Beatles. Однако это же вынудило их в срочном порядке искать барабанщика, чтобы соответствовать профессиональному контракту. Так ими был завербован Пит Бест, который был ударником в ливерпульской рок-группе «The Blackjacks», игравшей в клубе «Casbah». 16 августа The Beatles покинули Англию, а уже на следующий день состоялся их первый концерт в гамбургском клубе «Indra», в котором группа играла до октября. С октября и до конца ноября The Beatles играли в клубе «Kaiserkeller».

График выступлений был предельно жёстким: как правило, в клубе один час играла одна группа, другой час — другая, на протяжении 12 часов. Участники The Beatles жили в одной тесной комнате, располагавшейся в здании кинотеатра. На сцене музыкантам приходилось играть огромное количество материала, поэтому помимо рок-н-роллов (ими исполнялись почти все записи подряд с альбомов Литл Ричарда, Чака Берри, Карла Перкинса и др.), они играли блюзы, ритм-энд-блюзы, народные песни, старые эстрадные и джазовые номера, модифицируя их в стилистику рок-н-ролла. Иногда обычные песни в формате рок-н-ролла превращались в получасовые импровизации; при этом группа обнаружила, что немцам нравилась особенно громкая и напористая игра. Свои собственные песни The Beatles не исполняли, так как, по их признанию, не было стимула по той же причине — слишком много было подходящего материала в окружающей современной музыке. Именно такая каждодневная работа и способность играть музыку любого жанра стали одним из определяющих факторов в становлении таланта The Beatles.

В Гамбурге участники ансамбля познакомились с группой студентов местного арт-колледжа — Астрид Кирхерр и Клаусом Фоорманом, которые сыграли значительную роль в биографии группы. Кирхерр вскоре стала подругой Сатклиффа и именно она предложила, правда, в следующий приезд The Beatles в Гамбург, весной 1961 года, новые причёски — волосы, зачесанные на лоб и уши, а чуть позднее — пиджаки без воротников и лацканов по моде Пьера Кардена. Все эти новшества сперва опробовал на себе Сатклифф, и лишь затем они перенимались всей группой (хотя Бест так и не согласился на длинную чёлку).

По возвращении в декабре 1960 года в Ливерпуль The Beatles оказались в числе самых активных и амбициозных местных групп, которые соперничали по репертуару, звуку и количеству поклонников. Интересно, что все ливерпульские группы играли почти одни и те же (американские) песни, однако конкуренция шла также по принципу, кто какую песню первым «откроет» и сделает «своей». Лидерами считались Rory Storm and the Hurricanes, они играли в лучших клубах Ливерпуля, а также Гамбурга — именно там The Beatles познакомились с их барабанщиком — Ринго Старром (настоящее имя - Ричард Старки), с которым быстро подружились и стали проводить время вместе.

В апреле 1961 года группа отправилась на вторые гастроли в Гамбург, где выступала три месяца в клубе «Top Ten». Именно в Гамбурге состоялась первая профессиональная запись The Beatles — в качестве аккомпанирующего ансамбля певца Тони Шеридана. Шеридан позиционировался как рок-н-ролльный певец для внутреннего западногерманского рынка. Запись проходила под руководством Берта Кемпферта, который и отобрал The Beatles. Во время записи группе позволили записать несколько своих собственных композиций (Леннон также спел «Ain’t She Sweet»). Первым итогом записей стал вышедший в августе 1961 года в Германии сингл «My Bonnie / The Saints» с указанием исполнителей — Тони Шеридан и … «The Beat Brothers». Так для немецкого рынка, из-за соображений благозвучности, были названы The Beatles. По окончании гастролей Сатклифф решил остаться в Гамбурге с Кирхерр и, таким образом, бросить свою музыкальную деятельность в группе. Бас-гитара перешла к Маккартни. Через год, 10 апреля 1962 года Сатклифф скончался в Гамбурге от кровоизлияния в мозг.

С весны 1961 года эпизодически, а с августа — регулярно The Beatles стали выступать в ливерпульском клубе «Cavern». 27 июля состоялся концерт в ливерпульском зале «Litherland Town Hall», ставший первым по-настоящему крупным успехом — местная пресса назвала Beatles лучшим рок-н-ролльным ансамблем Ливерпуля.

В ноябре 1961 года первым менеджером The Beatles стал Брайан Эпштейн (помогавший до того группе Аллан Уильямс менеджером не был, он лишь выполнял обязанности концертного промоутера и тур-агента, никак не связанного обязательствами с группой).
Первый контракт (1962)

Со временем Брайан Эпштейн встретился с продюсером Джорджем Мартином из лэйбла Parlophone, который принадлежал компании EMI. Джордж проявил интерес к группе и захотел увидеть её выступление в студии; он пригласил квартет на прослушивание в лондонскую студию Abbey Road на 6 июня. Следует отметить, что в итоге Джордж Мартин не был особо впечатлён первыми демо-записями группы, но незамедлительно полюбил битлов как обычных людей. Признавая, что у них был талант, позднее Мартин говорил в своих интервью, что в тот день не одарённость битлов произвёла на него впечатление, а они сами — привлекательные, весёлые и слегка нахальные молодые люди. Когда Мартин спросил, есть ли в студии что-нибудь, что им не понравилось, Харрисон с юмором ответил: «Мне не нравится Ваш галстук». В итоге такие прямые и остроумные ответы на вопросы стали фирменным стилем разговора битлов на различных пресс-конференциях и интервью. И к счастью для «The Beatles» Джордж Мартин шутку оценил: группе было предложено подписать долгожданный контракт на запись.

Джордж Мартин имел проблемы только с Питом Бестом — он считал, что Пит до общего уровня группы не дотягивает. В итоге Мартин лично Брайану Эпштейну предложил сменить барабанщика группы. Тем не менее, несмотря на свою не очень хорошую игру на барабанах, Бест пользовался большой популярностью среди фанатов, чем немного злил трёх остальных участников группы. Тем более, Пит не уживался с остальными битлами из-за своей индивидуальности — Эпштейн же вообще был в гневе (что с ним случалось нечасто), когда Бест отказался сделать себе фирменную «битловскую» причёску и подойти под общий стиль группы. В итоге, 16 августа 1962 года Брайан объявил о том, что Пит Бест покидает группу «The Beatles». Его место незамедлительно занял барабанщик из группы «Роури сторм энд харрикейнз» (Rory Storm and the Hurricanes) Ринго Старр (Ringo Starr), с которым «The Beatles» давно уже были знакомы. Впервые встретившись с Ринго в Гамбурге, битлы, по иронии судьбы, именно с ним записали свою первую пластинку. Во время простой прогулки по городу они встретили Ринго (с ними не было тогда Пита Беста) — и, зайдя в какую-то уличную студию, за свои деньги и ради собственного удовольствия сделали свою первую запись в том составе, в котором и стали в итоге известны всему миру.

Вскоре началась работа «The Beatles» в студии. Их первая звукозапись на студии EMI не принесла никаких результатов, но вот во время сентябрьских сессий The Beatles записали и выпустили свой первый сингл — «Love Me Do», который был выпущен 5 октября 1962 года и достиг 17 места в чарте музыкального журнала «Record Retailer» — для молодых музыкантов довольно хороший результат. (В Америке, где он был выпущен в мае 1964 (как раз в самый разгар битломании в Британии), песня держалась на вершине чартов аж 18 месяцев). Известную роль тут сыграла и коммерческая хитрость Брайана Эпштейна, который на свой страх и риск скупил 10 тысяч экземпляров пластинки, чем заметно повысил индекс ее раскупаемости и привлек новых покупателей. Первое выступление «The Beatles» по телевидению состоялось 17 октября 1962 года в программе «People and Places», которая транслировала их концерт в Манчестере, отснятый телекомпанией Гранада (Granada Television). Вскоре группа записала сингл «Please Please Me», который по оценкам различных журналов занимал.

11 февраля 1963 года «The Beatles» в один приём, за каких-то 13 часов, записали весь материал для дебютного альбома «Please Please Me». Через три месяца после выпуска одноимённого сингла (22 марта) «The Beatles» наконец-то выпустили свой первый альбом, который 12 апреля возглавил национальный хит-парад (наконец-то появившийся) на целых 6 месяцев. Альбом был смикширован из собственных песен группы с авторством Леннона-МакКартни и кавер-версий их любимых песен-шлягеров, принадлежавших знаменитым в то время исполнителям.

13 октября 1963 года принято считать днём рождения «битломании» — феномена оглушительной популярности, которой до сих пор не повторила ни одна группа мира. «The Beatles» тогда выступали в лондонском зале «Palladium», откуда их концерт транслировался в программе «Sunday Night At The London Palladium» на всю страну. Программа собрала 15 миллионов телезрителей, но тысячи юных поклонников и поклонниц предпочли пропустить передачу и заполнили прилегающие к зданию концертного зала улицы в надежде увидеть музыкантов не на экране, а в жизни. После концерта квартету пришлось пробираться к машине в окружении наряда полиции. 4 ноября «The Beatles» стали гвоздем программы Королевского варьете в театре Принца Уэльского. На концерте присутствовали королева-мать, принцесса Маргарет и лорд Сноудон, причем королева не скрыла своего восхищения исполненной «The Beatles» песней «Till There Was You» из популярного мюзикла «The Music Man».

22 ноября вышел второй альбом квартета «With The Beatles». Из четырнадцати песен пластинки восемь — собственные произведения музыкантов, в том числе «Don’t Bother Me» — композиторский дебют Джорджа Харрисона. Альбом установил мировой рекорд по количеству предварительных заявок торговли — 300 тысяч, а к 1965 году было продано свыше миллиона экземпляров пластинки.

Поездка в Америку и разгар битломании (1963—64)

Несмотря на растущую популярность группы в Британии и её высокие позиции в чартах с начала 1963 года, американский двойник компании «Парлофон» — «Кэпитол Рекордз» (которым также владела EMI), не решился издавать синглы «The Beatles» в США, отчасти из-за того, что ещё ни одна английская группа в Америке продолжительного успеха не имела. Брайану Эпштейну, правда, удалось заключить контракт с небольшой чикагской фирмой «Vee Jay», и она выпустила синглы «Please Please Me» и «From Me To You», a также альбом «Introducing The Beatles», однако успеха они не имели и не попали даже в региональные хит-парады.

Ситуация изменилась после выхода в CШA в конце 1963 года сингла «I Want To Hold Your Hand». В Англии он появился несколько раньше и сразу же попал на первое место. Под впечатлением именно от этой песни музыкальный критик газеты «The Sunday Times» Ричард Баккл в номере от 29 декабря 1963 года назвал Леннона и МакКартни «величайшими композиторами после Бетховена». 18 января 1964 года стало известно, что сингл «I Want To Hold Your Hand» занял в Соединенных Штатах первое место в таблице журнала «Cash Box» и третье — в таблице еженедельника «Billboard». 20 января американская фирма «Capitol» выпустила альбом «Meet The Beatles!», частично схожий по содержанию с английским «With The Beatles» — и сингл, и альбом 3 февраля стали в США «золотыми». К началу апреля в пятерке лучших национального хит-парада США фигурировали только песни «The Beatles», а вообще в хит-параде их насчитывалось 14.

«Битломания» шагнула за океан. Музыканты убедились в этом сразу же, как только приземлились 7 февраля 1964 года в нью-йоркском аэропорту Кеннеди — встречать их пришло более четырех тысяч поклонников. В тот раз квартет дал в США три концерта: один в вашингтонском «Колизее» и два — в нью-йоркском Карнеги-холле. Кроме того, «The Beatles» дважды выступили в телепрограмме «Шоу Эда Салливана» (Ed Sullivan Show), собрав рекордное в истории телевидения количество зрителей — 73 миллиона (40 % населения США в то время!). Почти все остальное время они встречались с журналистами, американскими коллегами по искусству, а утром 22 февраля вернулись в Англию.

2 марта «The Beatles» приступили к съемкам и записи песен для своего первого музыкального фильма «A Hard Day's Night» и одноименного альбома. Работа еще не была завершена, когда британская пресса сообщила о новой сенсации: появившийся 20 марта сингл «Can’t Buy Me Love»/«You Can’t Do That» собрал в Англии и США небывалое число предварительных заявок — 3 миллиона. Подобного первого тиража не знало ни одно произведение искусства и литературы.

4 июня квартет отправился в первое крупное заграничное турне. Его маршрут пролегал через Данию, Голландию, Гонконг, Австралию, Новую Зеландию и снова Австралию. Накануне поездки Ринго слег в больницу с острым тонзиллитом и вышел на сцену лишь 16 июня в Мельбурне. До этого «The Beatles» выступали с сессионным ударником Джимми Николом (Jimmy Nicol). Гастроли прошли с поистине триумфальным успехом. В Аделаиде, например, музыкантов встречала в аэропорту 300-тысячная(!) толпа.

Квартет возвратился в Лондон 2 июля, а через три дня в столичном кинотеатре «Павилион» (Pavilion) состоялась премьера фильма «A Hard Day’s Night» (режиссер — Ричард Лестер). Вскоре после премьеры вышел одноименный альбом группы, впервые не содержавший ни одной заимствованной песни. И фильм, и пластинка вызвали восторженные отзывы прессы, а выдающийся американский композитор и дирижер Леонард Бернштейн (Leonard Bernstein), прослушав альбом «A Hard Day’s Night», назвал Леннона и Маккартни «лучшими композиторами-песенниками со времен Шуберта».

19 августа 1964 года началось первое полноценное гастрольное турне «The Beatles» по Северной Америке (предыдущая поездка в феврале носила скорее рекламно-экскурсионный характер). За 32 дня квартет проделал путь в 35 906 километров и дал в 24 городах 31 концерт (в том числе три в Канаде). За каждый концерт ансамбль получал 25-30 тысяч долларов. Первоначально маршрут гастролей включал не 24, а 23 города. Выступление в Канзас-Сити не предусматривалось, но хозяин местного профессионального баскетбольного клуба Charles О. Finley, явно решивший войти в историю, предложил за один получасовой концерт «The Beatles»… 150 тысяч долларов, и Брайан Эпштейн согласился.

Но самих музыкантов в те дни больше волновала другая, оборотная сторона успеха. Во время турне они ощущали себя узниками, поскольку были полностью изолированы от мира. Отели, в которых они останавливались, круглые сутки осаждала толпа. Невероятно, но факт: аппаратура, с какой «The Beatles» в 1964 году выступали на огромных стадионах, сегодня не удовлетворила бы и самый захудалый ресторанный ансамбль — настолько низкими были мощность и качество звука. Техника безнадежно отставала от заданного квартетом темпа развития шоу-бизнеса. Не существовало даже мониторов (контрольных колонок), и за оглушительным ревом трибун музыканты часто не слышали не только друг друга, но и самих себя, сбивались с ритма, теряли тональность в вокальных партиях. Публика не замечала, она тоже почти ничего не слышала, да толком и не видела: в целях безопасности сцену устанавливали либо в центре футбольного поля, либо на задней линии бейсбольной площадки.

В таких условиях ни о каком творческом развитии, прогрессе не могло быть и речи. В отличие от гамбургских концертов квартету теперь приходилось изо дня в день исполнять ограниченное количество одних и тех же песен. Изменения в программе не допускались. Сцена больше не являлась для музыкантов ни лабораторией, ни испытательным полигоном. Создавать что-то новое, творить, развиваться они отныне могли только за ее пределами.

«Beatles For Sale» и «Help!» (1964—1965)

Возвратившись 21 сентября в Лондон, The Beatles в тот же день приступили к записи очередного альбома «Beatles For Sale». Из 14 отобранных песен шесть являлись заимствованными и фигурировали в репертуаре квартета уже не один год («Rock And Roll Music», «Mr. Moonlight», «Kansas City», «Everyboby’s Trying To Be My Baby»). В целом пластинка представляла собой причудливый букет стилей от рок-н-ролла до кантри-энд-вестерн с преобладанием интонаций в духе записей Бадди Холли. В первый же день (4 декабря) диск разошелся тиражом в 700 тысяч экземпляров и уже через неделю возглавил британский хит-парад.

В феврале 1965 года начались съемки второго полнометражного фильма «Help!», режиссёром которого был уже известный по предыдущему фильму The Beatles «A Hard Day’s Night» Ричард Лестер. Премьера фильма состоялась в Лондоне 29 июля, а 6 августа вышел одноименный альбом. На альбоме каждая песня хороша, но одну из них без преувеличения можно назвать выдающимся музыкальным произведением, классическим не только для популярной музыки, но и для музыки вообще. Это песня «Yesterday». Ее мелодию Пол Маккартни сочинил еще в начале года, текст же появился много позднее. Он назвал ее «Scrambled Eggs», поскольку напевал мотив с первыми пришедшими на ум словами: «Scrambled eggs, oh, my baby, how I love your legs…» («Яичница, о моя крошка, как я люблю твои ножки…»). Джорджу Мартину мелодия понравилась, но записать ее как песню он предложил с использованием совершенно неожиданного для «The Beatles» аккомпанемента струнного квартета. Это был первый случай, когда ни Джон, ни Джордж, ни Ринго в записи не участвовали. Песня явно была «обречена» на грандиозный успех, однако «The Beatles» не выпустили ее самостоятельно, на сингле, а сразу включили в альбом. С их творческим потенциалом они могли себе это позволить. Вскоре после выхода альбома «Help!» песню «Yesterday» стали один за другим исполнять многие солисты и ансамбли, ее инструментальные варианты вошли в репертуар симфонических оркестров. Сегодня известно около двух тысяч интерпретаций этой композиции — больше, чем какой-либо другой в истории.

13 августа «The Beatles» отправились во второе американское турне. Ровно через две недели произошло событие, по сей день не дающее покоя шоу-бизнесменам и меломанам: «The Beatles» побывали в гостях у Элвиса Пресли, с которым не только беседовали, но и музицировали[источник?], причем несколько композиций были записаны на магнитофон. Ни при жизни Элвиса, ни после его смерти в 1977 году записи не были изданы. Несмотря на все усилия агентов, нанятых американскими, британскими, западногерманскими и японскими фирмами грампластинок, установить местонахождение пленок не удалось. Их стоимость исчисляется миллионами долларов.

Новые направления в творчестве и окончание концертной деятельности (1965—1966)

Лето 1965 года было переломным в истории рок-музыки. Из танцевальной, развлекательной она становилась серьезным искусством. Появлялись новые рок-группы, а такие ансамбли и исполнители, как The Byrds, The Rolling Stones, The Doors, Боб Дилан начали составлять достойную конкуренцию The Beatles, которые, разумеется, не могли остаться в стороне от этих перемен. 12 октября в Лондоне они приступили к записи альбома «Rubber Soul», ознаменовавшего начало новой фазы не только в их творчестве, но и в рок-музыкальной культуре вообще. Все конкурирующие авторы и исполнители опять остались далеко позади. «Это был первый альбом, который представлял миру новых, взрослеющих „The Beatles“, вспоминал годы спустя Джордж Мартин. Мы тогда впервые стали мыслить категориями альбома как самостоятельного и самоценного произведения искусства». Тем удивительнее тот факт, что «The Beatles» начали записывать эту пластинку при почти пустом «портфеле»: к 12 октября у них не было и трех полностью готовых к записи песен. А 3 декабря 1965 года альбом уже лежал на прилавках музыкальных магазинов. В песнях альбома «Rubber Soul» впервые появились элементы мистики, сюрреализма, столь характерные для «The Beatles» в дальнейшем.

У The Beatles впервые начали появляться настоящие проблемы. В июле 1966 года на Филиппинах, когда во время гастролей из-за их случайного конфликта с первой леди этой страны (они отказались от официального приёма в Президентском Дворце) битлов чуть не разорвала на части разъярённая толпа и они еле-еле унесли ноги из этого государства. По пути на самолёт из Филиппин их гастрольный администратор, Мал Эванс, был ужасно избит в аэропорту, членов группы толкали и, в прямом смысле, «выпнули» к самолёту. Уже после возвращения на родину за океаном, в Америке, поднялась шумиха из-за неосторожно сказанной Ленноном ещё в марте фразы о том, что «умирает христианство, и, например, сейчас The Beatles популярнее Иисуса». В городах США и, как ни странно, в Южной Африке, прокатились акции протеста против The Beatles, сжигались их пластинки. Однако, сами битлы отнеслись к этому с юмором: «ха, ведь прежде, чем они сжигают эти пластинки, они должны их купить». Но под давлением американской прессы Леннон в пресс-конференции 11 августа в Чикаго (США) официально извинился за свои высказывания.

Тем не менее, несмотря на все неудачи, 5 августа 1966 года вышел один из лучших альбомов The Beatles — «Revolver». Альбом отличался прежде всего тем, что большинство его песен не предполагали сценического исполнения — настолько сложны здесь использованные студийные эффекты. А «The Beatles» и были отныне чисто студийной группой. Они настолько устали от изнуряющих всемирных гастролей, что решили остановить свою концертную деятельность. В родной стране их последнее выступление состоялось 1 мая 1966 года в зале Empire Pool лондонского стадиона «Уэмбли», где они приняли участие в гала-концерте, исполнив в 15-минутном выступлении 5 композиций - «I Feel Fine», «Nowhere Man», «Day Tripper», «If I Needed Someone» и «I'm Down». Последней гастрольной поездкой было американское турне того же года, завершившееся концертом в Сан-Франциско 29 августа. На этом сценическая биография квартета закончилась. Альбом «Revolver», тем временем, лидировал в хит-парадах по обе стороны Атлантики. Критики оценивали его как кульминацию творчества «The Beatles». Казалось, пластинку лучше этой невозможно создать в принципе, и многие газеты всерьез высказывали предположение о том, что на этой невероятно высокой ноте квартет остановится. Со стороны такое решение выглядело бы вполне логичным, однако самим музыкантам оно и в голову не приходило.

«Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» — лучший альбом в истории рок-музыки (1967)

В конце 1966 года «The Beatles» снова собрались в студии. Результатом начавшихся 24 ноября сеансов записи стал сингл «Penny Lane»/«Strawberry Fields Forever», появившийся 17 февраля 1967-го. Характерной особенностью сингла было то, что вместо обычных первой и второй сторон он имел две первых. Тем самым подчеркивалось, что обе включенные в пластинку песни являются основными. Композиция «Strawberry Fields Forever», казалось, вместила в себя весь накопленный квартетом опыт студийной работы. Музыканты начали записывать ее 24 ноября 1966 года, а окончательный вариант, который мы слышим на пластинке, появился лишь 2 января. Новаторские приемы в аранжировке, огромное по тем временам количество участвовавших в записи студийных инструменталистов, сам взгляд на студию как на музыкальный инструмент, имеющий практически неограниченные возможности, все это, характерное и для сингла «Penny Lane»/«Strawberry Fields Forever», как бы готовило слушателей (и самих музыкантов!) к метаморфозе, воплощением которой стал альбом «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band».

Датой начала записи «Сержанта Пеппера» считается 24 ноября, когда The Beatles начали работу над «Strawberry Fields Forever». В течение 129-дневного периода (в сравнение — альбом «Please Please Me» записывался 13 часов) музыканты, как в итоге оказалось, записывали величайший в истории рок-музыки альбом. В дни записи пластинки почти все штатные работники студии не уходили домой до поздней ночи, даже те, у кого был выходной. В операторской толпились коллеги-музыканты, продюсеры других групп. Очевидцы рассказывали, что Рона Ричарда, являвшегося в тот период продюсером записей группы «The Hollies», песня «A Day In The Life» (как признают критики, лучшая песня на альбоме) привела буквально в панику. Сидя в углу операторской и обхватив голову руками, он как заведенный повторял: «Это невероятно… Я сдаюсь». Между тем, The Beatles создавали альбом играючи. Им доставляло удовольствие насыщать его неслыханными, неожиданными музыкальными и вообще звуковыми эффектами. И в итоге альбом, изданный 26 мая, получил феноменальный успех и держался на вершинах хит-парадов целых 88(!)недель.

Смерть Брайана Эпстайна и «Белый альбом» (1967—1968)

25 июня 1967 года The Beatles стали первым ансамблем, выступление которого транслировали на весь мир — их cмогли увидеть почти 400 миллионов человек во всех странах. Их номер стал частью первой в мире глобальной телепрограммы «Наш мир» (Our World). Выступление транслировалось прямо из главной студии The Beatles на улице Эбби-Роуд в Лондоне, во время него была записана видеоверсия песни «All You Need Is Love».

Но после этого триумфа дела группы пошли на спад, и немалую роль в этом сыграла трагическая смерть менеджера The Beatles Брайана Эпстайна, умершего в результате передозировки снотворного. «Пятый битл», как называли его сами члены группы, заведовавший всеми финансовыми делами и посвящавший группе всё свое время, ушёл из жизни. Ему было всего лишь 32.

В конце 1967 года The Beatles получили первые негативные отзывы прессы о своём творчестве — объектом для критики стал фильм «Magical Mystery Tour». Основной претензией к фильму было то, что выпущен он был только в цветной версии, а лишь немногие британцы имели в то время цветные телевизоры. Саундтрек к фильму (кстати, никаких претензий не получивший) был выпущен в Великобритании как мини-альбом. Начало 1968 года группа провела в Ришикеше (Индия), изучая медитацию вместе с Махариши Махеши Йоги. После возвращения на родину Леннон и Маккартни аннонсировали рождение корпорации «Apple», под лэйблом которой The Beatles теперь стали выпускать свои пластинки. Тем временем квартет осуществлял сразу два крупных проекта: готовил материал для очередного альбома и участвовал в paбoтe над полнометражным мультипликационным фильмом «Yellow Submarine», который был выпущен в январе 1969 года вместе с пластинкой-саундтреком. Кроме того, 30 августа фирма The Beatles выпустили на сингле одну из лучших в истории группы песен — «Hey Jude». Пластинка уже к концу года разошлась в мире 6 миллионным тиражом, возглавив хит-парады практически по всему свету. 22 ноября 1968 года группа выпустила свою новую запись — двойной альбом The Beatles, который среди масс известен просто как «белый альбом», из-за его совершенно белой обложки, на которой было лишь оттиснуто название альбома. Критика оценила альбом неоднозначно. Многие обозреватели придерживались мнения, что музыкантам следовало быть более требовательными и скомпоновать один диск. Однако публика была в восторге — альбом всем понравился. Ну а в биографии «The Beatles» он занимает особое место, поскольку является первым ярким свидетельством надвигающегося распада The Beatles. Дни работы над «белым альбомом» показали барьеры, возникшие между членами группы, отношения их ухудшились, а Ринго Старр на время даже ушёл из ансамбля. В итоге, в песнях «Martha My Dear», «Wild Honey Pie», «Dear Prudence» и «Back in the USSR» записаны партии ударных, исполненных Маккартни. Тем не менее, на этом же альбоме впервые была выпущена песня, сочинённая Ринго — «Don’t Pass Me By». Атмосфера в группе накалялась и из-за новой жены Леннона — Йоко Оно, которая присутствовала на каждой звукосессии группы и очень раздражала всех её членов (кроме, конечно же, Леннона). К тому же, Джордж Харрисон стал выпускать сольные пластинки, что тоже не слишком способствовало улучшению состояния группы. Все эти нюансы неумолимо вели к распаду…

Последние альбомы и распад (1969—1970)

В январе 1969 года «The Beatles» задумали создать полнометражный фильм-хронику своей студийной работы и выпустить его одновременно с очередным альбомом и аналогичного содержания книгой. Названием этого комплексного проекта стала сочиненная Полом песня «Get Back» («Вернись»). Музыканты преследовали две основные цели — воссоздать на экране обстановку и атмосферу непринужденности, характерные для их концертов начала 60-х в клубе «Каверн», и продемонстрировать публике, что квартет по-прежнему единый и здоровый творческий организм. Ни та, ни другая цель не была достигнута, потому что на самом деле все было не так.

В течение января 1969-го кинооператоры отсняли многие километры пленки, музыканты за тот же срок записали сто с лишним песен, из которых лишь несколько вышли затем на пластинках. Заключительным эпизодом съемок стал импровизированный концерт, который группа устроила 30 января на крыше здания студии звукозаписи. «The Beatles» исполнили (и записали) пять песен: «Get Back» (в двух вариантах), «Don’t Let Me Down», «One After 909», «I’ve Got A Feeling» и «All I Want Is You» (позднее получила название «Dig A Pony»). В концерте, продолжавшемся около 40 минут, принимал участие Билли Престон (Billy Preston), исполнивший партии клавишных. Но выступление было прекращено полицией, вызванной жителями соседних домов. Этот мини-концерт, как в итоге оказалось, стал последним выступлением группы…

3 февраля 1969 года менеджером «The Beatles» стал Аллен Клейн (Alien Klein), предприимчивый шоу-бизнесмен из США, одно время представлявший за океаном коммерческие интересы ансамбля «The Rolling Stones». С этого дня начался стремительный распад квартета, так как Маккартни, который считал, что более достойным кандидатом на этот пост должен быть отец его будущей жены Линды, Ли Истмен, был против, и в итоге начал судебное разбирательство против собственной группы (которое, правда, началось уже после распада The Beatles в декабре 1970 года)

Работа над альбомом «Get Back» была заброшена (было выпущено лишь несколько синглов с наиболее удачными песнями), но группа всё-таки смогла найти в себе силы создать альбом «Abbey Road» — шедевр, ставший последним творением группы (альбом «Let It Be» хоть и вышел позднее, но состоял из записей, созданных ещё в начале 1969 года). Среди песен альбома специалисты, прежде всего, отметили выдающуюся работу Джорджа Харрисона, песню «Something», поставив ее в один ряд с песней «Yesterday». Джордж трудился над этой вещью долго и кропотливо: было записано сорок(!) законченных вариантов, в одном из которых партию соло-гитары исполнял Эрик Клэптон. Последней песней, которую The Beatles записали все вместе (это было 20 июня), стала «I Want You (She’s So Heavy)».

Последней песней группы стала «I Me Mine» Джорджа Харрисона, которую музыканты записывали уже без Леннона 3 января 1970 года. В марте этого же года фонограммы с неудавшегося альбома «Get Back», который так и не был выпущен, были отданы американскому продюсеру Филу Спектору, который переработал старые записи, добавил к ним последние песни The Beatles (в том числе «Let It Be» и «I Me Mine») и подготовил к выпуску альбом «Let It Be». Дело осложнялось тем, что Пол был крайне недоволен работой Спектора, особенно ему не понравилась версия песни «The Long And Winding Road» и он даже хотел запретить выпуск альбома, что ему не удалось. В конечном счёте, прав оказался Джон, говоривший, что «... Фил из кучи дерьма сделал альбом, который, при всех оговорках, можно слушать» (а пластинка получилась довольно удачной). И, несмотря на все трудности, «Let It Be», который считается последним «прижизненным» альбомом The Beatles, был выпущен 8 мая 1970 года. 20 мая вышел документальный фильм «Let It Be», но на его премьере ни один из битлов не присутствовал, потому что ансамбля, как такового, уже не существовало. Ещё 17 апреля Пол Маккартни выпустил дебютный сольный диск, названный просто «McCartney». В тот же день он распространил текст своего «автоинтервью», где заявил, что «The Beatles» фактически прекратили совместную деятельность, что лично он об этом нисколько не сожалеет и что не признает Аллена Клейна своим менеджером. Маккартни лишь констатировал факты, но публика, не знавшая в тот период всех обстоятельств, единодушно сочла Пола виновником распада квартета, и потребовались годы, чтобы убедиться, что это не так. Тем не менее, кто бы ни был виновником распада, результатом было то, что величайшая рок-группа мира прекратила своё существование…

@темы: исполнители, музыка

---

Иоганн Себастьян Бах

[Long a Blues]

Гитаристы гитаристами, однако о таком замечательном классическом деятеле нельзя забывать.

Иога́нн Себастья́н Бах (нем. Jóhann Sebástian Bach; 21 марта 1685 (ст. ст.) Эйзенах, Германия — 28 июля 1750 (н. ст.) Лейпциг, Германия) — немецкий композитор и органист, представитель эпохи барокко. Один из крупнейших композиторов в истории музыки.

За свою жизнь Бах написал более 1000 произведений. В его творчестве представлены все значимые жанры того времени, кроме оперы; он обобщил достижения музыкального искусства периода барокко. Бах — мастер полифонии. После смерти Баха его музыка вышла из моды, но в XIX веке, благодаря Мендельсону, её открыли вновь. Его творчество оказало сильное влияние на музыку последующих композиторов, в том числе и в XX веке. Педагогические произведения Баха используются по назначению до сих пор.

Биография

Детство

Иоганн Себастьян Бах был шестым ребёнком(шестым колесом) в семье музыканта Иоганна Амброзиуса Баха и Элизабет Леммерхирт. Род Бахов известен своей музыкальностью с начала XVI века: многие предки Иоганна Себастьяна были профессиональными музыкантами. В этот период Церковь, местные власти и аристократия поддерживали музыкантов, особенно в Тюрингии и Саксонии. Отец Баха жил и работал в Эйзенахе. В это время в городе насчитывалось около 6000 жителей. Работа Иоганна Амброзиуса включала организацию светских концертов и исполнение церковной музыки.

Когда Иоганну Себастьяну было 9 лет, умерла его мать, а через год — отец, успев незадолго до этого ещё раз жениться. Мальчика взял к себе старший брат, Иоганн Кристоф, служивший органистом в соседнем Ордруфе. Иоганн Себастьян поступил в гимназию, брат обучал его игре на органе и клавире. Иоганн Себастьян очень любил музыку и не упускал случая заниматься ею или изучать новые произведения. Известна следующая история, иллюстрирующая страсть Баха к музыке. У Иоганна Кристофа в шкафу хранилась тетрадь с нотами известных в ту пору композиторов, но, несмотря на просьбы Иоганна Себастьяна, он не давал ему с ней ознакомиться. Однажды юному Баху удалось извлечь из всегда запертого шкафа брата тетрадь, и в течение полугода лунными ночами он переписывал себе её содержимое. Когда работа уже была завершена, брат обнаружил копию и отнял ноты.

Обучаясь в Ордруфе под руководством брата, Бах познакомился с творчеством современных ему южнонемецких композиторов — Пахельбеля, Фробергера и других. Возможно также, что он познакомился с работами композиторов Северной Германии и Франции. Иоганн Себастьян наблюдал, как осуществлялся уход за органом, и, возможно, сам принимал в нём участие.

В 15 лет Бах переехал в Люнебург, где в 1700—1703 годах учился в певческой школе св. Михаила. Во время учёбы он посетил Гамбург — крупнейший город в Германии, а также Целле (где в почёте была французская музыка) и Любек, где он имел возможность познакомиться с творчеством знаменитых музыкантов своего времени. К этим же годам относятся и первые произведения Баха для органа и клавира. Кроме пения в хоре а капелла, Бах, вероятно, играл на трёхмануальном органе школы и на клавесине. Здесь он получил первые знания по богословию, латыни, истории, географии и физике, а также, возможно, начал учить французский и итальянский языки. В школе Бах имел возможность общаться с сыновьями известных северонемецких аристократов и известными органистами, прежде всего, с Георгом Бёмом в Люнебурге и Рейнкеном и Брунсом в Гамбурге. С их помощью Иоганн Себастьян, возможно, получил доступ к самым большим инструментам из всех, на которых он когда-либо играл. В этот период Бах расширил свои знания о композиторах той эпохи, прежде всего, о Дитрихе Букстехуде, которого он очень уважал.

Бах в юности

В январе 1703 года, после окончания учёбы, он получил должность придворного музыканта у веймарского герцога Иоганна Эрнста. Неизвестно точно, что входило в его обязанности, но, скорее всего, эта должность не была связана с исполнительской деятельностью. За семь месяцев службы в Веймаре распространилась слава о нём как об исполнителе. Бах был приглашён на должность смотрителя органа в церковь св. Бонифация в Арнштадте, находящемся в 180 км от Веймара. С этим старейшим немецким городом у семьи Бахов были давние связи. В августе Бах занял пост органиста церкви. Работать ему приходилось всего 3 дня в неделю, а жалование было относительно высоким. Кроме того, инструмент поддерживался в хорошем состоянии и был настроен по новой системе, расширявшей возможности композитора и исполнителя. В этот период Бах создал много органных произведений, в том числе знаменитую токкату и фугу ре минор.

Семейные связи и увлечённый музыкой работодатель не смогли предотвратить напряжение между Иоганном Себастьяном и властями, возникшее через несколько лет. Бах был недоволен уровнем подготовки певцов в хоре. Кроме того, в 1705—1706 годах Бах самовольно отлучился в Любек на несколько месяцев, где он познакомился с игрой Букстехуде, что вызвало недовольство властей. К тому же, начальство предъявило Баху обвинения в «странном хоральном сопровождении», смущавшем общину, и в неумении управлять хором; последнее обвинение, видимо, имело под собой основания. Первый биограф Баха Форкель пишет, что Иоганн Себастьян прошёл более 40 км пешком, чтобы послушать выдающегося композитора, но сегодня некоторые исследователи подвергают этот факт сомнению.

В 1706 году Бах решает сменить место работы. Ему предложили более выгодную и высокую должность органиста в церкви св. Власия в Мюльхаузене, крупном городе на севере страны. В следующем году Бах принял это предложение, заняв место органиста Иоганна Георга Але. Его жалование по сравнению с предыдущим было повышено, а уровень певчих был лучше. Четыре месяца спустя, 17 октября 1707 года Иоганн Себастьян женился на своей кузине Марие Барбаре из Арнштадта. Впоследствии у них родилось семеро детей, трое из которых умерли в детстве. Трое из выживших — Вильгельм Фридеман, Иоганн Кристиан и Карл Филипп Эммануил — стали впоследствии известными композиторами.

Городские и церковные власти Мюльхаузена были довольны новым служащим. Они без раздумий одобрили его план реставрации церковного органа, требующий больших затрат, а за публикацию праздничной кантаты «Господь — мой царь», BWV 71 (это была единственная напечатанная при жизни Баха кантата), написанной к инаугурации нового консула, ему дали большое вознаграждение.

Проработав в Мюльхаузене около года, Бах вновь сменил место работы, на этот раз получая место придворного органиста и устроителя концертов — намного более высокую позицию, чем прошлая его должность - в Веймаре. Вероятно, факторами, заставившими его сменить место работы, стали высокое жалованье и хорошо подобранный состав профессиональных музыкантов. Семья Баха поселилась в доме всего в пяти минутах ходьбы от графского дворца. В следующем году родился первый ребёнок в семье. В это же время к Бахам переехала старшая незамужняя сестра Марии Барбары, которая помогала им вести хозяйство до самой своей смерти в 1729 году. В Веймаре у Баха родились Вильгельм Фридеман и Карл Филипп Эммануил.

В Веймаре начался длительный период сочинения клавирных и оркестровых произведений, в которых талант Баха достиг расцвета. В этот период Бах впитывает музыкальные веяния из других стран. Произведения итальянцев Вивальди и Корелли научили Баха писать драматические вступления, из них Бах почерпнул искусство использования динамичных ритмов и решительных гармонических схем. Бах хорошо изучил работы итальянских композиторов, создавая переложения концертов Вивальди для органа или клавесина. Идею написания переложений он мог позаимствовать у своего работодателя, герцога Иоганна Эрнста, который был профессиональным музыкантом. В 1713 году герцог вернулся из зарубежной поездки и привёз с собой большое количество нот, которые показал Иоганну Себастьяну. В итальянской музыке герцога (и, как можно видеть из некоторых произведений, самого Баха) привлекало чередование соло (игры одного инструмента) и тутти (игры всего оркестра).

В Веймаре у Баха была возможность играть и сочинять органные произведения, а также пользоваться услугами герцогского оркестра. В Веймаре Бах написал большинство своих фуг (наиболее крупным и известным собранием фуг Баха является «Хорошо темперированный клавир»). Во время службы в Веймаре Бах начал работу над «Органной тетрадью» — сборником пьес для обучения Вильгельма Фридемана. Этот сборник состоит из обработок лютеранских хоралов.

К концу своей службы в Веймаре Бах был уже широко известным органистом и мастером клавесина. К этому времени относится эпизод с Маршаном. В 1717 году в Дрезден приехал известный французский музыкант Луи Маршан. Дрезденский концертмейстер Волюмье решил пригласить Баха и устроить музыкальное состязание между двумя известными клавесинистами, Бах и Маршан согласились. Однако в день соревнования выяснилось, что Маршан (который, видимо, имел перед тем возможность послушать игру Баха) спешно и тайно покинул город; состязание не состоялось, и Баху пришлось играть одному.

Через некоторое время Бах опять отправился на поиски более подходящей работы. Старый хозяин не хотел его отпускать, а 6 ноября 1717 года даже арестовал за постоянные просьбы об отставке — но уже 2 декабря отпустил на свободу «с изъявлением немилости». Леопольд, герцог Анхальт-Кётенский, нанял Баха на должность капельмейстера. Герцог, сам будучи музыкантом, ценил талант Баха, хорошо ему платил и предоставлял большую свободу действий. Однако герцог был кальвинистом и не приветствовал использование утончённой музыки на богослужениях, поэтому большинство кётенских работ Баха были светскими. Среди прочего, в Кётене Бах сочинил сюиты для оркестра, шесть сюит для виолончели соло, Английские и Французские сюиты для клавира, а также три сонаты и три партиты для скрипки соло. В этот же период написаны и знаменитые Бранденбургские концерты.

7 июля 1720 года, во время того как Бах находился за границей с герцогом, случилась трагедия: внезапно умерла его жена Мария Барбара, оставив четырёх малолетних детей. В следующем году Бах познакомился с Анной Магдаленой Вильке, молодой высоко одарённой певицей (сопрано), которая пела при герцогском дворе. Они поженились 3 декабря 1721 года. Несмотря на разницу в возрасте — она была младше Иоганна Себастьяна на 17 лет, — их брак, по всей видимости, был счастливым. У них родилось 13 детей.

В 1723 году состоялось исполнение его «Страстей по Иоанну» в церкви св. Фомы в Лейпциге, и 1 июня Бах получил должность кантора этой церкви с одновременным исполнением обязанностей учителя школы при церкви, заменив на этом посту Иоганна Кунау[16]. В обязанности Баха входило преподавание пения и еженедельное проведение концертов в двух главных церквях Лейпцига, св. Фомы и св. Николая. Должность Иоганна Себастьяна предусматривала также преподавание латыни, однако ему было позволено нанимать помощника, делавшего эту работу за него, — поэтому преподаванием латыни занимался Пецольд за 50 талеров в год. Бах получил должность «музыкального директора» всех церквей города: в его обязанности входил подбор исполнителей, наблюдение за их обучением и выбор музыки для исполнения. Во время работы в Лейпциге композитор неоднократно вступал в конфиликты с городской администрацией.

Первые шесть лет жизни в Лейпциге оказались очень продуктивными: Бах сочинил до 5 годовых циклов кантат (два из них, по всей вероятности, были утеряны). Большинство этих произведений написаны на евангельские тексты, которые читались в лютеранской церкви каждое воскресенье и по праздникам в течение всего года; многие (такие как «Wachet auf! Ruft uns die Stimme» and «Nun komm, der Heiden Heiland») основываются на традиционных церковных песнопениях.

Во время исполнения Бах, по-видимому, сидел за клавесином или стоял перед хором на нижней галерее под органом; на боковой галерее справа от органа располагались духовые инструменты и литавры, слева находились струнные. Городской совет предоставлял в распоряжение Баха только около 8 исполнителей, и это часто становилось причиной споров между композитором и администрацией: Баху приходилось самому нанимать до 20 музыкантов, чтобы исполнять оркестровые произведения. На органе или клавесине играл обычно сам композитор; если он руководил хором, то это место занимал штатный органист или один из старших сыновей Баха.

Сопрано и альтов Бах набирал из числа учащихся, а теноров и басов — не только из школы, но и со всего Лейпцига. Кроме регулярных концертов, оплачиваемых городскими властями, Бах со своим хором подрабатывали исполнением на свадьбах и похоронах. Предположительно, именно для этих целей были написаны как минимум 6 мотетов. Частью его обычной работы в церкви было исполнение мотетов композиторов венецианской школы, а также некоторых немцев, например, Шютца; во время сочинения своих мотетов Бах ориентировался на произведения этих композиторов.

Сочиняя кантаты бо́льшую часть 1720-х годов, Бах собрал обширный репертуар для исполнения в главных церквях Лейпцига. Со временем ему захотелось сочинять и исполнять больше светской музыки. В марте 1729 года Иоганн Себастьян стал руководителем Музыкальной коллегии (Collegium Musicum), светского ансамбля, существовавшего ещё с 1701 года, когда его основал старый друг Баха Георг Филипп Телеман. В то время во многих крупных немецких городах одарённые и активные студенты университетов создавали подобные ансамбли. Такие объединения играли всё бо́льшую роль в общественной музыкальной жизни; их часто возглавляли известные профессиональные музыканты. В течение почти всего года Музыкальная коллегия дважды в неделю устраивала двухчасовые концерты в кофейне Циммермана, располагавшейся недалеко от рыночной площади. Владелец кофейни предоставил музыкантам большой зал и приобрёл несколько инструментов. Многие из светских произведений Баха, датированных 1730-ми, 40-ми и 50-ми годами, были сочинены именно для исполнения в кофейне Циммермана. К числу таких произведений принадлежат, например, «Кофейная кантата» и клавирный сборник «Clavier-Übung», а также многие концерты для виолончели и клавесина.

В этот же период Бах написал части Kyrie и Gloria знаменитой Мессы си минор, позже дописав остальные части, мелодии которых почти целиком заимствованы из лучших кантат композитора. Вскоре Бах добился назначения на должность придворного композитора; по-видимому, он долго добивался этого высокого поста, который был веским аргументом в его спорах с городскими властями. Хотя вся месса целиком никогда не исполнялась при жизни композитора, сегодня многие считают её одним из лучших хоровых произведений всех времён.

В 1747 году Бах посетил двор прусского короля Фридриха II, где король предложил ему музыкальную тему и попросил тут же что-нибудь на неё сочинить. Бах был мастером импровизации и сразу исполнил трёхголосную фугу. Позже Иоганн Себастьян сочинил целый цикл вариаций на эту тему и послал его в подарок королю. Цикл состоял из ричеркаров, канонов и трио, основанных на продиктованной Фридрихом теме. Этот цикл был назван «Музыкальным приношением».

Другой крупный цикл, «Искусство фуги», не был завершён Бахом, несмотря на то, что написан он был, скорее всего, задолго до его смерти. При жизни он ни разу не издавался. Цикл состоит из 18 сложных фуг и канонов, основанных на одной простой теме. В этом цикле Бах использовал все инструменты и техники написания полифонических произведений.

Последним произведением Баха стала хоральная прелюдия для органа, которую он продиктовал своему зятю, практически находясь на смертном одре. Название прелюдии — «Vor deinen Thron tret ich hiermit» («Вот я предстаю перед Твоим троном»); этим произведением часто заканчивают исполнение неоконченного «Искусства фуги».

Со временем зрение Баха становилось всё хуже. Тем не менее, он продолжал сочинять музыку, диктуя её своему зятю Альтникколю. В 1750 году в Лейпциг приехал английский офтальмолог Джон Тейлор, которого многие современные исследователи считают шарлатаном. Тейлор дважды прооперировал Баха, но обе операции оказались неудачными, Бах остался слепым. 18 июля он неожиданно ненадолго прозрел, но уже вечером с ним случился удар. Бах умер 28 июля; возможно, причиной смерти стали осложнения после операций. Оставшееся после него состояние было оценено в более чем 1000 талеров и включало 5 клавесинов, 2 лютневых клавесина, 3 скрипки, 3 альта, 2 виолончели, виолу да гамба, лютню и спинет, а также 52 священные книги.

В течение жизни Бах написал более 1000 произведений. В Лейпциге Бах поддерживал дружеские отношения с университетскими профессорами. Особенно плодотворным было сотрудничество с поэтом, писавшим под псевдонимом Пикандер. Иоганн Себастьян и Анна Магдалена нередко принимали у себя в доме друзей, членов семьи и музыкантов со всей Германии. Частыми гостями были придворные музыканты из Дрездена, Берлина и других городов, в том числе Телеман, крёстный отец Карла Филиппа Эммануила. Интересно, что Георг Фридрих Гендель, одногодка Баха из Галле, что всего в 50 километрах от Лейпцига, никогда не встречался с Бахом, хотя Бах дважды в жизни пытался с ним встретиться — в 1719 и 1729 годах. Судьбы этих двух композиторов, однако, были соединены Джоном Тейлором, который оперировал обоих незадолго до их смерти.

Композитора похоронили вблизи церкви св. Фомы, где он прослужил 27 лет. Однако вскоре могила затерялась, и лишь в 1894 году останки Баха случайно были найдены во время строительных работ; тогда и состоялось перезахоронение.Его запомнили все!

Баховедение

Первыми описаниями жизни Баха стал его некролог и краткая хроника жизни, изложенная его вдовой Анной Магдаленой. После смерти Иоганна Себатьяна не предпринималось попыток публикации его жизнеописания, пока в 1802 году его друг Форкель, основываясь на собственных воспоминаниях, некрологе и рассказах сыновей и друзей Баха, не издал первую подробную биографию. В середине XIX века интерес к музыке Баха возродился, композиторы и исследователи начали работу по собиранию, изучению и изданию всех его произведений. Следующим капитальным трудом о Бахе стала книга Филиппа Шпитты, изданная в 1880 году. В начале XX века опубликовал книгу немецкий органист и исследователь Альберт Швейцер. В этом произведении, кроме биографии Баха, описания и анализа его произведений, много внимания уделяется описанию эпохи, в которую он работал, а также богословским вопросам, связанным с его музыкой. Эти книги были наиболее авторитетными до середины XX века, когда с помощью новых технических средств и тщательных исследований были установлены новые факты о жизни и творчестве Баха, местами вступавшие в противоречие с традиционными представлениями. Так, например, было установлено, что Бах написал некоторые кантаты в 1724—1725 годах (раньше думали, что это произошло в 1740-е), были найдены неизвестные произведения, а некоторые приписываемые ранее Баху оказались написанными не им; были установлены некоторые факты его биографии. Во второй половине XX века было написано много работ на эту тему — например, книги Кристофа Вольфа.

Творчество

Бах написал более 1000 музыкальных произведений. Сегодня каждому из известных произведений присвоен номер BWV (сокращение от Bach Werke Verzeichnis — каталог работ Баха). Бах писал музыку для разных инструментов, как духовную, так и светскую. Некоторые произведения Баха являются обработками произведений других композиторов, а некоторые — переработанными версиями своих произведений.

Органное творчество

Органная музыка в Германии ко времени Баха уже обладала давними традициями, сложившимися благодаря предшественникам Баха — Пахельбелю, Бёму, Букстехуде и другим композиторам, каждый из которых по-своему влиял на него. С многими из них Бах был знаком лично.

В течение жизни Бах был больше всего известен как первоклассный органист, преподаватель и сочинитель органной музыки. Он работал как в традиционных для того времени «свободных» жанрах, таких как прелюдия, фантазия, токката, так и в более строгих формах — хоральной прелюдии и фуги. В своих произведениях для органа Бах умело соединял черты разных музыкальных стилей, с которыми он знакомился в течение жизни. На композитора оказала влияние как музыка северонемецких композиторов (Георг Бём, с которым Бах встретился в Люнебурге, и Дитрих Букстехуде в Любеке), так и музыка южных композиторов: Бах переписывал себе произведения многих французских и итальянских композиторов, чтобы понять их музыкальный язык; позже он даже переложил несколько скрипичных концертов Вивальди для органа. В течение наиболее плодотворного для органной музыки периода (1708—1714 годы) Иоганн Себастьян не только написал много пар прелюдий и фуг и токкат и фуг, но и сочинил неоконченную Органную книжечку — сборник из 46 коротких хоральных прелюдий, в котором демонстрировались различные техники и подходы к сочинению произведений на хоральные темы. После отъезда из Веймара Бах стал меньше писать для органа; тем не менее, после Веймара были написаны многие известные произведения (6 трио-сонат, сборник «Clavier-Übung» и 18 Лейпцигских хоралов). Всю жизнь Бах не только сочинял музыку для органа, но и занимался консультированием при постройке инструментов, проверкой и настройкой новых органов.

Прочее клавирное творчество

Бах также написал ряд произведений для клавесина, многие из которых можно было исполнять и на клавикорде. Многие из этих творений представляют собой энциклопедические сборники, демонстрирующие различные приёмы и методы сочинения полифонических произведений. Большинство клавирных произведений Баха, изданных при его жизни, содержались в сборниках под названием «Clavier-Übung» («клавирные упражнения»).

* «Хорошо темперированный клавир» в двух томах, написанных в 1722 и 1744 годах, — сборник, в каждом томе которого содержится по 24 прелюдии и фуги, по одной на каждую употребительную тональность. Этот цикл имел очень важное значение в связи с переходом на системы настройки инструментов, позволяющие одинаково легко исполнять музыку в любой тональности — прежде всего, к современному равномерно темперированному строю,
* 15 двухголосных и 15 трёхголосных инвенций — небольшие произведения, расположенные в порядке увеличения количества знаков в тональности. Предназначались (и используются по сей день) для обучения игре на клавишных инструментах.
* Три сборника сюит: Английские сюиты, Французские сюиты и Партиты для клавира. Каждый цикл содержал по 6 сюит, построенных по стандартной схеме (аллеманда, куранта, сарабанда, жига и необязательная часть между последними двумя). В английских сюитах аллеманде предшествует прелюдия, а между сарабандой и жигой присутствует ровно одна часть; во французских сюитах количество необязательных частей увеличивается, а прелюдии отсутствуют. В партитах стандартная схема расширяется: кроме изысканных вступительных частей, присутствуют дополнительные, причём не только между сарабандой и жигой.
* Гольдберг-вариации (около 1741) — мелодия с 30 вариациями. Цикл имеет довольно сложное и необычное строение. Вариации строятся скорее на тональном плане темы, чем на самой мелодии.
* Разнообразные пьесы вроде «Увертюры во французском стиле», BWV 831, «Хроматической фантазии и фуги», BWV 903, или «Итальянского концерта», BWV 971.

Оркестровая и камерная музыка

Бах писал музыку как для отдельных инструментов, так и для ансамблей. Его произведения для инструментов соло — 6 сонат и партит для скрипки соло, BWV 1001—1006, 6 сюит для виолончели, BWV 1007—1012, и партиту для флейты соло, BWV 1013, — многие считают одними из самых глубоких творений композитора. Кроме того, Бах сочинил несколько произведений для лютни соло. Писал он также трио-сонаты, сонаты для солирующих флейты и виолы да гамба, сопровождаемых лишь генерал-басом, а также большое количество канонов и ричеркаров, в основном без указания инструментов для исполнения. Наиболее значимые примеры таких произведений — циклы «Искусство фуги» и «Музыкальное приношение».

Наиболее известные произведения Баха для оркестра — «Бранденбургские концерты». Они были так названы, потому что Бах, послав их маркграфу Христиану Людвигу Бранденбург-Шведтскому в 1721 году, думал получить работу при его дворе; эта попытка оказалась безуспешной. Шесть концертов написаны в жанре кончерто гроссо. Другие дошедшие до нас произведения Баха для оркестра включают два скрипичных концерта, концерт для 2 скрипок ре минор, BWV 1043, и концерты для одного, двух, трёх и даже четырёх клавесинов. Исследователи считают, что эти концерты для клавесинов были всего лишь переложениями более старых произведений Иоганна Себастьяна, ныне утерянных. Кроме концертов, Бах сочинил 4 оркестровые сюиты.

Вокальные произведения

* Кантаты. В течение долгого периода своей жизни каждое воскресенье Бах в церкви св. Фомы руководил исполнением кантаты, тема которой выбиралась согласно лютеранскому церковному календарю. Хотя Бах исполнял и кантаты других композиторов, в Лейпциге он сочинил как минимум три полных годовых цикла кантат, по одной на каждое воскресенье года и каждый церковный праздник. Кроме того, он сочинил некоторое количество кантат в Веймаре и Мюльхаузене. Всего Бахом было написано более 300 кантат на духовную тематику, из которых только около 195 дожили до наших дней. Кантаты Баха сильно различаются по форме и инструментовке. Некоторые из них написаны для одного голоса, некоторые — для хора; некоторые требуют для исполнения большого оркестра, а некоторые — всего несколько инструментов. Однако наиболее часто используемая модель такова: кантата открывается торжественным хоровым вступлением, затем чередуются речитативы и арии для солистов или дуэтов, а завершается всё хоралом. В качестве речитатива обычно берутся те же слова из Библии, что читаются на этой неделе по лютеранским канонам. Завершающий хорал часто предвосхищается хоральной прелюдией в одной из средних частей, а также иногда входит во вступительную часть в виде cantus firmus. Наиболее известными из духовных кантат Баха являются «Christ lag in Todesbanden» (номер 4), «Ein' feste Burg» (номер 80), «Wachet auf, ruft uns die Stimme» (номер 140) и «Herz und Mund und Tat und Leben» (номер 147). Кроме того, Бах сочинил и некоторое количество светских кантат, обычно приуроченных к каким-либо событиям, например, к свадьбе. Среди самых известных светских кантат Баха — две Свадебных кантаты и шуточная Кофейная кантата.

* Пассионы, или страсти. Страсти по Иоанну (1724) и Страсти по Матфею (ок. 1727) — произведения для хора и оркестра на евангельскую тему страданий Христа, предназначенные для исполнения на вечернях в страстную пятницу в церквях св. Фомы и св. Николая. Пассионы являются одними из наиболее масштабных вокальных произведений Баха. Известно, что Бах написал 4 или 5 пассионов, но только эти два полностью дошли до наших дней.

* Оратории и магнификаты. Наиболее известна Рождественская оратория (1734) — цикл из 6 кантат для исполнения во время рождественского периода литургического года. Пасхальная оратория (1734—1736) и магнификат представляют собой скорее обширные и тщательно проработанные кантаты и имеют меньший размах, чем Рождественская оратория или пассионы. Магнификат существует в двух версиях: изначальной (ми-бемоль мажор, 1723) и более поздней и известной (ре мажор, 1730).

* Мессы. Наиболее известная и значимая месса Баха — месса си минор (закончена в 1749 году), представляющая собой полный цикл ординария. В эту мессу, как и во многие другие произведения композитора, вошли переработанные ранние сочинения. Месса никогда не исполнялась целиком при жизни Баха — впервые это произошло только в XIX веке. Кроме того, эта музыка не исполнялась по назначению из-за длительности звучания (около 2 часов). Кроме мессы си минор, до нас дошло 4 коротких двухчастных мессы Баха, а также отдельные части, как Sanctus и Kyrie.

Остальные вокальные произведения Баха включают несколько мотетов, около 180 хоралов, песни и арии.

Исполнение

Сегодня исполнители музыки Баха разделены на два лагеря: предпочитающие аутентичное исполнение, то есть с использованием инструментов и методов эпохи Баха, и исполняющие Баха на современных инструментах. Во времена Баха не было таких больших хоров и оркестров, как, например, во времена Брамса, и даже наиболее масштабные его произведения, такие как месса си минор и пассионы, не предполагают исполнение большими коллективами. Кроме того, в некоторых камерных произведениях Баха вообще не указана инструментовка, поэтому сегодня известны очень разные версии исполнения одних и тех же произведений. В органных произведениях Бах почти никогда не указывал регистровку и смену мануалов. Из струнных клавишных инструментов Бах предпочитал клавикорд. Он встречался с Зильберманом и обсуждал с ним устройство его нового инструмента, внеся вклад в создание современного фортепиано. Музыка Баха для одних инструментов часто перекладывалась для других, например, Бузони переложил органную токкату и фугу ре минор и некоторые другие произведения для фортепиано.

В популяризацию музыки Баха в XX веке внесли свой вклад многочисленные «облегчённые» и осовремененные версии его произведений. Среди них — широко известные сегодня мелодии, исполненные Swingle Singers, и запись Венди Карлос 1968 года «Switched-On Bach», где использовался недавно изобретённый синтезатор. Обрабатывали музыку Баха и джазовые музыканты, такие как Жак Лусье. Среди российских современных исполнителей отдать должное великому композитору попытался Фёдор Чистяков в своем сольном альбоме 1997 года «Когда проснется Бах».

Судьба музыки Баха

В последние годы жизни и после смерти Баха его известность как композитора стала уменьшаться: его стиль считали старомодным по сравнению с расцветающим классицизмом. Его больше знали и помнили как исполнителя, педагога и отца Бахов-младших, в первую очередь Карла Филиппа Эммануила, музыка которого была известнее. Однако многие крупные композиторы, такие как Моцарт, Бетховен и Шопен, знали и любили творчество Иоганна Себастьяна. Например, при посещении школы св. Фомы Моцарт услышал один из мотетов (BWV 225) и воскликнул: «Здесь есть чему поучиться!» — после чего, попросив ноты, долго и упоённо изучал их. Бетховен очень ценил музыку Баха. В детстве он играл прелюдии и фуги из «Хорошо темперированного клавира», а позже называл Баха «истинным отцом гармонии» и говорил, что «не Ручей, а Море ему имя» (слово Bach по-немецки значит «ручей»). Шопен перед концертами запирался в комнате и играл музыку Баха. Произведения Иоганна Себастьяна оказали влияние на многих композиторов. Некоторые темы из произведений Баха, например, тема токкаты и фуги ре минор, были многократно использованы в музыке XX века.

Биография, написанная в 1802 году Иоганном Николаем Форкелем, лично знавшим Баха, подстегнула интерес широкой публики к его музыке. Всё больше людей открывали для себя его музыку. Например, Гёте, довольно поздно в своей жизни познакомившийся с его произведениями (в 1814 и 1815 годах в городе Бад Берка были исполнены некоторые его клавирные и хоровые сочинения), в письме 1827 года сравнил ощущение от музыки Баха с «вечной гармонией в диалоге с самой собой». Но настоящее возрождение музыки Баха началось с исполнения Страстей по Матфею в 1829 году в Берлине, организованное Феликсом Мендельсоном. Гегель, посетивший концерт, позже назвал Баха «великим, истинным протестантом, сильным и, так сказать, эрудированным гением, которого мы только недавно вновь научились ценить в полной мере»[27]. В последующие годы продолжилaсь работа Мендельсона по популяризации музыки Баха и рост известности композитора. В 1850 году было основано Баховское общество, целью которого являлись сбор, изучение и распространение произведений Баха. В последующие полвека этим обществом была проведена значительная работа по составлению и публикации корпуса произведений композитора.

В XX веке продолжилось осознание музыкальной и педагогической ценности его сочинений. Интерес к музыке Баха породил новое движение среди исполнителей: широкое распространение получила идея аутентичного исполнения. Такие исполнители, например, используют клавесин вместо современного фортепиано и хоры меньшего размера, чем это было принято в XIX и начале XX веков, желая в точности воссоздать музыку баховской эпохи.

Некоторые композиторы выражали своё почтение Баху, включая в темы своих произведений мотив BACH (си-бемоль — ля — до — си в латинской нотации). Например, Лист написал прелюдию и фугу на тему BACH, а Шуман написал 6 фуг на ту же тему. Эту же тему использовал и сам Бах, например, в XIV контрапункте из «Искусства фуги». Многие композиторы брали пример с его произведений или использовали темы из них. Примерами являются вариации на тему Диабелли Бетховена, прототипом которых являются «Гольдберг-вариации», 24 прелюдии и фуги Шостаковича, написанные под впечатлением от «Хорошо темперированного клавира», и соната для виолончели ре мажор Брамса, в финал которой вставлены музыкальные цитаты из «Искусства фуги». Музыка Баха в числе лучших творений человечества записана на золотой диск Вояджера.

@темы: исполнители, музыка

---

Андрес Сеговия

[Les Poll]

Андрес Сеговия

Биография

Андалузия. Город Линарес. Улица Хосе Антонио. Дом, в котором родился Сеговия, не сохранился. На его месте построено большое четырёхэтажное здание. На прикреплённой к нему мраморной доске читаем: «В этом доме 21 февраля 1893 года родился гениальный гитарист Андрес Сеговия Торрес, выдающийся сын города Линарес, 1968».
Через несколько недель семья переехала в Хаэн. Замечательное искусство импровизации народных гитаристов Андалузии и самобытная культура этой древней земли очень повлияли на его мироощущение.
В 1915 году Сеговия познакомился с гитаристом Мигелем Льобетом, благодаря которому ему удалось дать концерт в Барселоне в январе 1916 года. Однако, гитару не стремились впускать в большие залы. Она не была популярным инструментом, и все считали, что сила ее звука недостаточна, и ее просто не будет слышно в большом помещении.
Поворотом в судьбе гитары стал концерт во Дворце камерной музыки "Палау" в Барселоне, где Сеговия, наконец, получил разрешение выступить. Красота звучания акустической гитары буквально околдовала слушателей.
Дальнейшим успехам Сеговии способствовала атмосфера Ренасимьенто, движения за возрождение народных традиций в музыке и культуре Испании. В течение последующих шести лет гитарист завоевал признание своему инструменту не только в концертных залах Мадрида и Барселоны, но и в других городах Испании. К этому нужно добавить успех двух гастрольных поездок в Южную Америку в 1919 и 1921 годах.
Основная проблема, которую стремится решить Сеговия - это создание оригинального профессионального репертуара. Он завязывал творческие контакты с другими музыкантами и лично обращался с просьбами ко многим композиторам. Мануэль де Фалья, откликнувшись на его просьбу, написал пьесу "Памяти Дебюсси". Федерико Морено Торроба - танцы, ноктюрны, пьесы, прелюды, "Кастильскую сюиту", "Кастильский концерт". В 1919 году Сеговия сделал транскрипцию фортепьянной пьесы Альбениса "Легенда", которую ожидало действительно легендарное будущее.
20-е годы стали временем рождения новой эпохи в гитарном искусстве и началом мирового признания Сеговии. Каждое выступление Сеговии воспринималось как чудо, как открытие нового. Он стремился преодолеть стереотипы и утвердить гитару в качестве солирующего инструмента.
Андрес Сеговия и гитара покоряют Париж, Лондон, Буэнос-Айрес. В 1928 году, в день, когда должен был состояться седьмой концерт в Буэнос-Айресе, в тот же час напротив давал концерт всемирно известный пианист Артур Рубинштейн, на всех предыдущих выступлениях которого, как и на концертах Сеговии, залы были переполнены. Но опасения по поводу "дуэли" гитары с фортепьяно были напрасны: постоянно висящие таблички у залов, где выступали Рубинштейн и Сеговия, сообщали: "свободных мест нет".
Если в 20-е годы имя великого гитариста связывали с рождением нового искусства, то в 30-е его можно было с полным основанием назвать создателем гитарного искусства ХХ века. Его благородной целью было возвысить гитару, а достойное место гитаре мог обеспечить только высокохудожественный профессиональный репертуар. Сеговия не прекращал поиски новых сочинений, обращаясь к разным композиторам. На его просьбы откликнулись Морено Торроба, Пабло Казальс, Хоакин Родриго, Федерико Момпу, Гаспар Кассадо, Мануэль Понсе, Вила Лобос и многие другие композиторы Европы и Америки. Многие до встречи с Сеговией не сочиняли для гитары.
Благодаря Сеговии в большинстве консерваторий и музыкальных училищ мира был введен класс гитары. С 1955 года он занимался с учениками в живописном итальянском городе Сиене, а затем преподавал в Сантьяго-де-Компостела, средневековом городе в Испании (в Галисии), где для развлечения богатых туристов с 1958 года стали устраиваться двухнедельные фестивали, названные "Музыка в Компостела", основной целью которых была пропаганда испанской старинной и современной музыки. Организаторы фестиваля привлекли к участию в них и Сеговию, который стал проводить здесь занятия с учениками. Помещение, где они проводились, - большой зал с каменными сводами, - напоминало церковь или монастырь. Тишина, суровая архитектура феодального замка с его внутренними двориками, благоухающими розами, стенами, покрытыми вьющимся виноградом. В этой обстановке каждое указание авторитетного музыканта воспринималось с почти религиозным трепетом, а занятия запоминались на всю жизнь.

@темы: исполнители, музыка

---

Scorpions

[Adrian. A.]

Я выросла на этих ребятах...

История

К началу нового тысячелетия и ровно через 35 лет после основания самой успешной немецкой рок-группы всех времён - SCORPIONS, Клаус Майне ( Klaus Meine), Рудольф Шенкер( Rudolf Schenker) и Маттиас Ябс (Matthias Jabs) могут вместе пролистать страницы из их впечатляющей истории в международном музыкальном бизнесе.

Как и на многих подростков в послевоенной Германии, на Клауса Майне и Рудольфа Шенкера повлияла музыка и другие прелести современной жизни, принесённые на их Родину американскими солдатами: Элвис Пресли, жевательная резинка, синие джинсы, кожаные жилеты и, в первую очередь, рок-н-ролл. С ранних лет Клаус и Рудольф чувствовали непреодолимое желание взять в руки гитару и выйти под свет рампы. В начале 60-х Beatles совершили бит-революцию. А в середине 60-х Клаус Майне и Рудольф Шенкер, благословлённые понимающими родителями, также начали выступать со своими бит-группами.

В 1965 г. Рудольф Шенкер в г. Ганновере (Германия, Нижняя Саксония) создал группу под названием SCORPIONS.

Примером для Рудольфа Шенкера, гитариста и автора песен, были неотёсанные рифы групп вроде Yardbirds, Pretty Things и Spooky Tooth, которые в те дни считались настоящими хард-рокерами.

Младший брат Рудольфа Михаэль (Michael Schenker) был очарован бит-музыкой и зарождающейся рок-культурой.

С наступлением Нового 1970 года младший Шенкер, который несмотря на свою молодость уже утвердился как выдающийся гитарист, покинул вместе с певцом и композитором Клаусом Майне ганноверскую группу Copernicus, чтобы присоединиться к SCORPIONS. Клаус и Рудольф объединились, чтобы создать превосходный творческий дуэт Майне/Шенкер, закладывая тем самым фундамент впечатляющей истории успеха.

В 1972 году SCORPIONS выпустили замечательный дебютный альбом Lonesome Crow, продюсированный Конни Плэнком (Сonny Plank) в Гамбурге. Вокальные и инструментальные мотивы, которые через несколько лет стали типичным, неизменным Скорповским звучанием, уже узнаваемы: бескомпромиссный гитарный хард-рок вроде того, что играли Джимми Хендрикс (Jimmy Hendrix), Cream, Led Zeppelin в середине 60-х.

Своеобразный стиль SCORPIONS получился в результате комбинации двух электрогитар: с необычайно мощными рифами и с ослепительными витиеватыми соло. Добавьте к этому мгновенно узнаваемый голос певца и фронтмэна Клауса Майне с его экспрессивной, блестящей подачей.

В некотором смысле, SCORPIONS были уникальны для немецкой рок-сцены того периода. Группа с самого начала нацелилась достичь вершин мирового хард-рок бизнеса, поэтому Клаус Майне все тексты писал по-английски. В творческом союзе Майне и Шенкера Германия наконец нашла достойный ответ знаменитым бит- и рок-командам из англоязычного мира.

Первый альбом "Lonesome Crow" вывел группу на путь к международному успеху. SCORPIONS выступали на разогреве у Рори Галлахера (Rory Gallagher) , UFO и Uriah Heep.

На протяжении всей истории группы Scorpions её непоколебимой движущей силой был Рудольф Шенкер. Он следовал жизненной философии своего отца: "Нет ничего невозможного, надо просто верить". С первых дней создания SCORPIONS Рудольф Шенкер говорил без лишней скромности: "Однажды SCORPIONS станут одной из лучших рок-групп в мире!" Остальные члены группы также были преданы этой идее.

SCORPIONS никогда не останавливались на достигнутом и постоянно искали чего-то нового. Они использовали любую возможность, чтобы повысить свой профессиональный уровень и приблизиться к успеху.

В 1973 году после совместного турне с UFO Михаель Шенкер примкнул к этой британской рок-группе. На месте Скорповского лидер-гитариста его заменил Ульрих Рот (Ulrich Roht). Он тоже был исключительным гитаристом, обладавшим почти мистическим талантом. С Ульрихом SCORPIONS продолжили изучение хард-рокового жанра.

В 70-х годах они предприняли несколько туров по Западной Европе, играя на многочисленных площадках и покоряя страну за страной. Они появлялись везде, где только можно было подключить свои инструменты. В 1973 году они выступали на разогреве у The Sweet в их первом европейском туре. В это же время, SCORPIONS продолжали работать и над студийными альбомами, из которых последующие четыре были записаны с Ульрихом. "Fly To The Rainbow" (1974) отличается жёстким, энергичным роком, какой ещё никогда не слышали от немецкой группы. Заглавный трэк "Speedy's Coming" олицетворяет стиль SCORPIONS: ультра-хард-рок в гармоничном сочетании с захватывающими мелодиями.

Начиная с третьего альбома "In Trance" SCORPIONS работают с известным международным продюсером Дитером Дирксом. Они решительно взялись сделать карьеру в хард-роке. "In Trance" стал бестселлером в Японии, где разразилась настоящая Скорпиономания.

В 1975 году SCORPIONS совершили тур по Европе, где были "гвоздём программы" наряду с KISS. В том же году они были признаны лучшей концертной группой в Германии. Гастролируя по Великобритании SCORPIONS попали в самое "логово льва": им выпала честь выступить в легендарном Кэверн-Клабе в Ливерпуле ("Cavern Club"). В этой колыбели хард-рока им удалось добиться признания даже самых твердолобых британских фанатов. Дальнейшими успехами Скорпов в середине 70-х стали концерты в прославленном Лондонском клубе The Marquee.

Мечта SCORPIONS стать лучшей немецкой рок-группой воплотилась в жизнь, когда их четвёртый по счёту альбом "Virgin Killer" завоевал в Германии премию "Альбом года". В Японии "Virgin Kille" получил статус "золотого" - впервые в истории группы.

Следующий альбом "Taken By Force" также стал "золотым" в Японии.

В 1978 году SCORPIONS гастролируют по Японии - второму по значимости музыкальному рынку в мире, где им впервые удалось почувствовать, что значит быть суперзвёздами. По прибытии в Токийский аэропорт пятёрка наших рокеров была окружена толпой восторженных фанатов.

После японского турне группу покинул Ульрих Рот. Двойной альбом "Tokyo Tapes" как бы подвёл итог периода сотрудничества SCORPIONS и Ульриха. Эта запись даже сейчас высоко ценится коллекционерами во всем мире.

Ненадолго вернулся в группу "блудный сын" Михаель Шенкер (он записал партии в некоторых песнях с Lovedrive), а потом вакантное место гитариста окончательно занял Маттиас Ябс. Этому предшествовала огромная работа. В 1978 году в журнале "Melody Maker" появилось объявление: SCORPIONS ищут нового лидер-гитариста. В Лондоне им пришлось прослушать более 140 претендентов, пока они не остановили свой выбор на земляке-ганноверце Маттиасе Ябсе. Включившись в работу в самом конце, Маттиас тем не менее сразу присоединился к записи "Lovedrive". Альбом стал грандиозным триумфом группы и до сих пор остаётся одним из лучших альбомов SCORPIONS. Обложка получила премию года за лучшее художественное оформление.

Как уже было сказано, Михаель Шенкер ненадолго присоединился к группе в 1978, однако снова покинул её прямо посреди турне. В 1980 году он создал собственную группу MSG (The Michael Schenker's Group).

Маттиас Ябс, можно сказать, вскочил на подножку уходящего поезда, совершив настоящий подвиг: буквально накануне вечером он выучил всю программу предстоящего турне. Его боевое крещение состоялось, когда SCORPIONS играли перед 55-тысячной толпой на разогреве у Genesis. В лице Маттиаса SCORPIONS наконец-то нашли лидер-гитариста, чей энтузиазм, виртуозность и творческий потенциал сделали решающий вклад в успех группы. Благодаря ему Скорповское звучание стало ещё богаче и выразительнее. Как недостающий кусочек мозаики, его гитара идеально дополнила динамику группы, создав то, что мы называем уникальным звучанием SCORPIONS.

Клаус Майне, Рудольф Шенкер и Маттиас Ябс до сих пор составляют костяк группы.

С басистом Фрэнсисом Бухгольцем ( Francis Buhholz) (он присоединился к группе в 1973 году одновременно с Ульрихом Ротом) и ударником Германом Рэбеллом ( Herman Rarebell) (он дебютировал во время записи альбома "Taken By Force") они, наконец, утвердили "звёздный состав", которому суждено было продолжить победное шествие вплоть до Wind Of Change.

Уже провозглашённые супергруппой в Японии в 1978г., в 1979 г. SCORPIONS решили покорить огромный рынок США. Их оружие: профессиональное отношение к делу, несгибаемая воля к победе и дружественная атмосфера как внутри группы, так и по отношению к поклонникам. Ну и, конечно, потрясающая музыкальность. SCORPIONS пришлось пройти очень долгий путь, прежде чем сформировался их собственный неповторимый музыкальный образ на мировой рок-сцене.

В 80-х гг. в США был самый крупный музыкальный рынок в мире. А у SCORPIONS уже начиная с 1974 года появилось множество последователей в Штатах. Van Halen раскрутили карьеру в музыке, сделав кавер-версии Скорповских хитов "Speedy's Coming" (с "Fly To The Rainbow") и "Catch Your Train" (с "Virgin Killer").

В 1979 году, теперь уже профессионально продюсируемые и разгорячённые успехом "Lovedrive", SCORPIONS в их неизменном составе - Клаус Майне, Рудольф Шенкер и Маттиас Ябс - начали свой первый масштабный тур по Америке, давая концерты на открытых площадках с Aerosmith, Тэдом Нуджентом и AC/DC. В Чикаго SCORPIONS стали "гвоздём программы" вместо Тэда Нуджента (Тed Nugent), и с тех пор у Скорпов больше фанатов в этом городе. Эти гастроли стали для SCORPIONS хорошим уроком игры в рок-бизнесе.

Их седьмой альбом "Lovedrive" был выпущен в США в 1979 году и стал первой вещью SCORPIONS, получившей там статус "золотого диска". Следующим стал "Animal Magnetism" (1980).

С этими двумя альбомами - "Lovedrive" и "Animal Magnetism" - группа наконец совершила прорыв в Северной Америке. Второй тур SCORPIONS по США стал триумфальным. Началась эра грандиозных Турне SCORPIONS.

После ещё более успешных гастролей в 1981 году, во время записи "Blackout", Клаус Майне внезапно потерял голос. Не желая препятствовать успеху группы, Клаус решил покинуть SCORPIONS. Но крепкая дружба между Клаусом и Рудольфом наряду с поддержкой со стороны всех членов группы позволили случиться практически невозможному. После длительных тренировок и двух операций на связках Клаус сумел оправиться от травмы. Мало того, в 1982 году он вернулся со значительно улучшенными вокальными данными. Один критик написал: "Они подарили Клаусу Майне железные связки!" Решение группы не расставаться со своим неизменным вокалистом впоследствии полностью оправдало себя. Оно стало самым судьбоносным в истории Скорпов, ведь именно Клаус Майне в 1989 году написал суперхит "Wind Of Change".

В 1982 г. SCORPIONS предприняли тур по США (на разогреве у них выступали Iron Maiden) в поддержку нового сногсшибательного альбома "Blackout". Потрясающий дизайн обложки этого альбома был выполнен Гельнвайном (Helnwein). Альбом и сингл "No One Like You" попали в американскую "Top Ten", а также альбом стал "платиновым" и завоевал премию "Лучший хард-рок-альбом года".

Один хит следовал за другим - и в 80-х SCORPIONS покорили сердца любителей рока со всего мира. В 1984 году SCORPIONS стали первой немецкой группой, давшей три успешных концерта для 60000 фанатов в Нью-йоркском "Madison Square Garden".

SCORPIONS взобрались на самую вершину музыкального Олимпа. Сразу три их альбома попали в американские чарты: "Animal Magnetism" (1980), "Blackout" (1982) и "Love At First Sting" (1984). SCORPIONS провели 2 года "на колёсах", участвуя во всех крупных рок-фестивалях, появившихся вслед за Вудстоком. Они гастролировали по всему миру с целыми эскадрами грузовиков, автобусов, вертолётов, с собственными самолётами и традиционными лимузинами. Ганноверская хэви-металл-группа давала теперь грандиозные концерты в Северной, Южной, Центральной Америке, в Европе, а также в Азии - в Малайзии, Филлипинах, Таиланде и Японии. Это был "золотой век" хард-рока. Гигантские сцены, световые и пиротехнические эффекты - SCORPIONS обрушивали на публику шторм света и звука.

Их неиссякаемая энергия сводила с ума фанатов. Для американской аудитории SCORPIONS с их блестящим, отточенным "мелодичным роком" и мощным драматичным вокалом Клауса Майне стали воплощением всего лучшего в хард-роке. Bon Jovi, Metallica, Iron Maiden, Def Leppard и Europe, ставшие позже супергруппами, играли на разогреве у SCORPIONS, получая бесценный опыт выступлений перед многомиллионной толпой.

"Love At First Sting" стал одним из самых успешных альбомов в истории рока. Он включает в себя самые зубодробительные Скорповские вещи типа "Rock You Like A Hurricane", "Bad Boys Running Wild" и нетленный шедевр "Still Loving You".

Критики соревновались в восторженных отзывах. Журнал Rolling Stone назвал SCORPIONS "героями хэви-металл". SCORPIONS были приняты в эксклюзивный клуб 30 величайших рок-групп всех времён и народов. Баллада "Still Loving You" стала международным рок-гимном. В одной только Франции этот сингл разошёлся тиражом 1700000 копий. Песня вызвала такую волну истерии у французских фэнов, какой не наблюдалось со времён Beatles, и стала отличительным знаком SCORPIONS.

Самыми запоминающимися появлениями SCORPIONS на публике были концерты в Калифорнии перед 325000 аудиторией и в Рио-де-Жанейро, где их встречали 350000 восторженных южноамериканских фанатов. В 1985 году двойной альбом "World Wide Live", брат-близнец альбома "Tokyo Tapes" запечатлел во всех красках недавний международный триумф группы.

В 1986 году SCORPIONS были "гвоздём программы" в знаменитом фестивале "Monsters Of Rock". И в том же году играли в столице Венгрии Будапеште. Это было их первое появление в стране Восточного Блока.

SCORPIONS постоянно фигурировали в чартах с такими хитами, как "Rock You Like A Hurricane", "Blackout", "Big City Nights", "The Zoo", "No One Like You", "Dynamite", "Bad Boys Running Wild", "Coast To Coast". В 1980-х Скорпы создали новый сорт хард-рока, который не утратил популярности до сих пор. А их мощные рок-баллады, такие как "Still Loving You", "Holiday", "Wind Of Change", "Send Me An Angel", "When You Came Into My Life", "You & I" наряду с чудесными акустическими песнями "Always Somewhere" и "When The Smoke Is Going Down" - смогли покорить даже самых закоренелых ненавистников хард-рока.

"Savage Amusement", последний альбом, продюсируемый Дитером Дирксом, был выпущен в 1988 году. Он достиг 3 места в американских чартах и 1 места - в европейских.

Даже после многих лет гастролей по США и остальному миру, SCORPIONS не "почивали на лаврах", а продолжали искать что-то новое. В преддверии мирового турне "Savage Amusement" в 1988 году SCORPIONS прорвали "Железный занавес" и дали 10 аншлаговых концертов в Ленинграде для 350000 советских поклонников. Они стали первой зарубежной рок-группой, сыгравшей в СССР, оплоте коммунизма. Хард-рок, хэви-металл и, в особенности, Скорпионовская баллада "Still Loving You" уже проникли за "Железный занавес". SCORPIONS до сих пор встречают восторженный приём в России.

А год спустя, в августе 1989, 20 лет спустя после Вудстока, советские власти, вдохновлённые успехом Скорповских концертов в Ленинграде, дали добро на проведение легендарного Московского Фестиваля Музыки и Мира (Moscow Music Peace Festival). Здесь SCORPIONS выступали вместе с другими монстрами хард-рока, такими как Bon Jovi, Cinderella, Оззи Осборн (Ozzy Osbourne), Skid Row, Motley Crew и русской группой Парк Горького - перед 260000 советских поклонников рока на Московском стадионе им. Ленина.

В сентябре 1989 г. Клаус Майне, находясь под впечатлением от Московского Фестиваля Мира, создал суперхит "Wind of change".

Затем, в ноябре 1989, произошло совершенно неожиданное событие. Была разрушена Берлинская стена. "Wind Of Change" стал всемирным гимном гласности и перестройки, своеобразным саундтрэком к падению "Железного занавеса", коммунизма и прекращению Холодной Войны. Год спустя, в 1990 году SCORPIONS выступали в зрелищном шоу Роджера Уотерса (Roger Waters) "The Wall" на Потсдамской Площади (Potsdamer Platz), где когда-то стоял фрагмент Берлинской стены.

Михаил Горбачев принимает Scorpions в Кремле

"Wind Of Change" имела такой успех в России, что Скорпы вскоре записали русскую версию хита. Благодаря этому мудрому решению у них появился высокопоставленный поклонник: в 1991 году немецкая группа была приглашена в Кремль на встречу с Михаилом Горбачёвым, последним Президентом СССР и партийным лидером. Это было уникальное событие в истории Советского Союза и рок-музыки.

Самих SCORPIONS также коснулся "ветер перемен". Перед записью и выпуском нового альбома "Crazy World" (1990) их длительное сотрудничество с Дитером Дирксом, продюсировавшим столько успешных альбомов, подошло к концу. "Crazy World", первый альбом, продюсерами которого являлись сами SCORPIONS (при помощи Кейта Ольсена ( Keith Olsen), включавший в себя "Wind Of Change", немедленно стал самым успешным диском года. Не только "Crazy World" удостоился такой чести: сингл "Wind Of Change" стал хитом №1 в мире, заняв первую позицию в хит-парадах 11 стран.

В 1992 году SCORPIONS получили "Музыкальную премию мира" как самая успешная немецкая рок-группа. "Crazy World" - яркое доказательство авторских талантов Скорповских вдохновителей: Маттиас Ябс внёс свою лепту в виде динамичного заглавного трэка "Tease Me Please Me", в то время как Рудольф Шенкер ещё раз доказал свою способность попасть в самую точку, написав классическую Скорпионовскую балладу "Send Me An Angel", а Клаус Майне продемонстрировал блестящее мастерство в "Wind Of Change".

После всемирного тура "Crazy World" SCORPIONS расстались со своим басистом Фрэнсисом Бухгольцем. В записи "Face The Heat" (1993) (со-продюсер - Брюс Фэйрбэйрн (Bruce Fairbairn) участвовал новый басист - Ральф Рикерманн (Ralph Rieckermann), с консерваторским образованием!

В 1994 году SCORPIONS снова получили "Музыкальную премию мира".

Ещё один знаменательный момент в их карьере наступил, когда по приглашению семьи "короля рок-н-ролла", Присциллы и Лизы-Мари Пресли, и "короля попсы" Майкла Джексона они представили кавер-версию "His Latest Time" на концерте памяти Элвиса Пресли в Мемфисе.

В том же году SCORPIONS совместно с ООН оказали помощь беженцам из воюющей Руанды. Всего за одну неделю группа записала и выпустила благотворительный сингл "White Dove".

В конце 1995 года, когда завершалась запись "Pure Instinct" (со-продюсеры - Кейт Ольсен ( Keith Olsen) и Эрвин Маспер (Erwin Musper), ударник Герман Рэбелл, ветеран SCORPIONS, покинул группу.

В 1988 году во время турне "Savage Amusement" на разогреве у SCORPIONS выступала американская группа Kingdome Come, продюсером которой был Кейт Ольсен. Уже тогда на Скорпов произвёл впечатление стиль игры барабанщика группы, калифорнийца Джеймса Коттака (James Kottak). В 1995 году Скорпы попросили бывшего менеджера AC/DC Стюарта Янга позвонить Джеймсу и нанять его как ударника для предстоящего мирового турне "Pure Instinct". Коттак стал первым американцем, играющим в немецкой рок-группе. В лице 2-х новых членов, басиста Ральфа Рикерманна и ударника Джеймса Коттака, в группе SCORPIONS появилось новое поколение музыкантов.

Мировое турне "Pure Instinct" доказало, что SCORPIONS всё ещё были одними из самых значительных рок-музыкантов. Не только в Европе и Америке. В странах вроде Таиланда, Малайзии и Филиппин отметки объёма продаж их альбомов достигали уровня намного выше среднего, их диски продолжали получать "золотой" и "платиновый" статус. В ноябре 1996 года SCORPIONS стали первой рок-группой, давшей концерты в Бейруте после окончания гражданской войны в Ливане.

В 1999 году на записи "Eye To Eye" (продюсер - Питер Вольф (Peter Wolf ) Джеймс Коттак впервые принял участие в работе Scorpions в студии. Обложка альбома отмечает некоторые изменения стиля группы. На обложке изображены только основатели SCORPIONS: Рудольф Шенкер, Клаус Майне и Маттиас Ябс. А сам альбом является ещё одним подтверждением внушительных талантов всех членов SCORPIONS как композиторов и инструменталистов. Песни вроде "Mysterious", "Yellow Butterfly", "A Moment In A Million Year", "Mind Like A Tree" и "Eye To Eye" - показывают, что команда находится на пике творческого подъёма. В "Du Bist So Schmutzig" ("You Are So Dirty") мы впервые слышим от Скорпов немецкий текст. Как часть мирового турне "Eye To Eye" SCORPIONS отыграли по приглашению Майкла Джексона в благотворительном концерте "Майкл Джексон и друзья" ("Michael Jackson and Friends") в Мюнхене.

Следуя своему девизу "Don't Stop At The Top!"("Не останавливайся на достигнутом!"), SCORPIONS встретили новое тысячелетие новым начинанием: совместный проект со всемирно известным Берлинским Филармоническим оркестром, которым ранее руководил легендарный Герберт фон Караян. В 1995 году оркестр рассматривал возможность совместного проекта и искал подходящую группу. Спустя годы даже этот классический оркестр признал успех и международную репутацию SCORPIONS. Два "Мерседеса" немецкой музыки согласились на совместную смелую затею под руководством знаменитого продюсера, композитора, дирижёра и аранжировщика австрийца Кристиана Колоновица (Christian Kolonovits). SCORPIONS начали готовиться уже в 1995 году. С этого времени обе группы, если можно так выразиться, продолжили работу над проектом. После выпуска "Eye To Eye" (1999) и последующего мирового тура SCORPIONS основательно занялись серьёзным бизнесом. Предвестником грядущих событий стало выступление Скорпов по приглашению немецкого правительства на концерте, прошедшем перед Бранденбургскими Воротами в Берлине 11 ноября 1999 года, на 10 годовщину объединения Германии. "Wind Of Change" вместе со SCORPIONS исполняли 166 виолончелистов, а солировал выдающийся виолончелист-виртуоз Мстислав Ростропович.

В январе 2000 года SCORPIONS вместе с Кристианом Колоновицем начали студийную запись в Вене. Берлинский Филармонический оркестр записал свои партии в апреле. Окончательно альбом был микширован в апреле-мае 2000 в Galaxy Studios в Бельгии. Совместный альбом SCORPIONS и Берлинского Филармонического оркестра "Moment Of Glory" был выпущен 19 июня 2000 года.

Первый концерт состоялся 22 июня 2000 года на выставке EXPO-2000 в Ганновере. Альбом также включает в себя официальный гимн выставки "Moment Of Glory".

В феврале 2001 года SCORPIONS дали несколько акустических концертов в Лиссабоне. По их итогам был записан концертный альбом "Acoustica", который включает в себя акустические варианты старых Скорповских хитов, а также 3 новых песни. В записи проекта опять принимал участие Кристиан Колоновитц. Он работал над аранжировками, а также записал партии клавишных к альбому. Не прекращая студийной работы, весной этого же года SCORPIONS дали концерты в России и странах СНГ в рамках тура "Moment Of Glory". В июне Скорпы продолжили "освоение" стран Восточной Европы, впервые выступив в столице Албании Тиране. А сразу же после выхода альбома "Acoustica" группа отправилась в мировое турне в поддержку альбома.

2002 год не был отмечен студийными проектами, зато был чрезвычайно богат на "живые" выступления. Весной этого года SCORPIONS закрыли "Acoustica Tour" тремя концертами в Москве и Санкт-Петербурге. Летом SCORPIONS предприняли гигантский тур по США, а осенью посетили в общей сложности 21 город России, Украины, Беларуси и Литвы.

2001 год – выходит альбом “Acoustica” и сингл “When Love Kills Love”. Грандиозная программа была представлена в Лиссабоне перед 4000 фанатов. На продажу же он поступил 11 мая. Старые песни приобрели новое звучание, чему во многом способствовал огромный творческий потенциал группы. Альбом занял 13 место в чартах.

2002 год – не выходит ни одного альбома, зато совершается большое число гастролей.

2003 год – Scorpions продолжают шествие по миру. Очень ярким событием этого времени можно считать огромный концерт для 85000 зрителей на площади Шлоссплатц в Штутгарте.

2004 год – Scorpions работают в студии над их новым альбомом.

Scorpions 2004 Unbreakable…

С очередным рок-альбомом Scorpions возвращаются на мировую хард-н-хэви арену.

“Unbrakakble” – альбом с особенным толкованием. Он символизирует верность основным направлениям музыки Scorpions; уникальность музыкальной силы группы, созданной 3-мя выдающимися личностями: певцом и автором песен Клаусом Майне, гитаристом и композитором Рудольфом Шенкером и лид-гитаристом и композитором Маттиасом Ябсом.

“Unbreakable” – двадцатый альбом группы – наиболее яркий из 35-летней истории Scorpions. В то же время, он отображает возвращение группы к истокам. «Первое и самое главное – это то, что мы – рок-группа, - говорит Клаус Майне без раздумья,- фанаты ждут укуса Scorpions. А “Unbreakable” – это типичный для нашей музыки альбом». Рудольф Шенкер добавляет: «После ряда проектов, таких как “Moment Of Glory” и “Acoustica”, мы должны подарить фанатам настоящий рок-альбом». Рудольф видит в “Unbreakable” мост между их поклонниками и самими Scorpions. «Это альбом, который объединит старое и новое поколения фанатов вместе». Матиас Ябс подводит итог: «Новый альбом – это доказательство тому, что наша музыка делается «вручную». Берём инструменты, настраиваем их, играем». Вот как он поясняет их работу в студии в течение 3-х месяцев с продюсером Эрвином Маспером. «Вся группа вместе работает над основными песнями – старый рок с новым звучанием 2004 года. В то же время мы добавляем к нашей коллекции новые песни». Эрвин Маспер, который знает Scorpions как никто лучше, поясняет: «Scorpions приобрели новый стандарт музыки с “Unbreakable”. Это лучший материал из всех за последние 5 лет. Любая рок-группа, которая хочет записать новый альбом, должна иметь “Unbreakable” в качестве справочника». Эрвин Маспер знает, о чём говорит. Рождённый в Нидерландах, он работает со Scorpions с 88-го года. К тому же, в течение многих лет он работал в США продюсером таких групп, как Metallica, Iron Maiden, Van Halen, Bon Jovi и Def Leppard. Ударник и композитор группы Джеймс Коттак заявляет: «Новый альбом – лучшая запись из Германии».

Выступление во время Турне "Unbreakable", 2004 (обожаю этот коцертник)

С “Unbreakable” Клаус Майне, Рудольф Шенкер и Матиас Ябс собираются штурмовать музыкальный мир в новом составе: у Scorpions новый бас-гитарист Павел Мачивода. Это служит как бы сигналом о том, что группа продолжает существовать.

“Unbreakable” символизирует музыкальные и личные особенности группы, которые сопутствовали с группой на протяжении 35 лет и во многом объясняют такой грандиозный успех Scorpions. Клаус Майне, Рудольф Шенкер и Матиас Ябс – три музыканта-индивидуалиста, которые путешествуют во вселенной Scorpions вместе аж с 1978 года, не изменяя своему стилю и веря своим идеалам.

Основные черты группы: талант композиторов, уникальная музыкальная направленность, неудержимое стремление к успеху и нерушимый дух первооткрывателей – верность убеждению «играть повсюду, где только можно». Scorpions – это по-прежнему активная группа. Музыка для них – это место, где они чувствуют себя как дома.

Внутренняя сила группы выливается из долгой и преданной дружбы между Клаусом, Рудольфом и Матиасом. Во время их гастролей, которые нередко длятся месяцы, они очень много времени проводят вместе. Их успех во многом обусловлен постоянным стремлением стать лучше. В соответствии с их девизом «Не останавливаться на достигнутом» («Don’t Stop At The Top»), Scoprions безустанно стараются сделать что-то неожиданное. Всё это связано с их огромной страстью к музыке. Scorpions любят выходить за установленные рамки. Огромный потенциал позитивной энергии создаёт взаимосвязанную цепь, основными звеньями которой являются удивительная дружба между музыкантами и горячая поддержка фанатов.

Scoprions сумели угодить вкусам поклонников со всего мира. В США – это сильные рок-партии. То же самое ожидают от Scoprions в Великобритании, Австралии и Японии. Дело обстоит совсем по-другому в Восточной Европе, России, а также в Южной Америке, Португалии, Испании, Франции, Италии и Греции. Там от Scoprions ждут рок-баллады. В Азии, в таких странах как Индия, Малайзия, Сингапур, Таиланд, Индонезия, Корея и Филиппины, Scorpions завоевали сердца поклонников после проекта Acoustica.

Оглянувшись назад, можно понять, что Scorpions сделали всё, чтобы стать всемирно известной рок-группой. Их хард-рок хиты «Rock You Like A Hurricane», «Blackout», «Dynamite», «Coast To Coast», «The Zoo», «Coming Home», «Hit Between The Eyes» и «Tease Me Please Me» заставили трепетать миллионы сердец во всём мире. Scoprions как бы создали новый стиль – современный хард-рок. Scorpions – мастера рок-баллад. Их баллады «Still Loving You», «Holiday», «Send Me An Angel», «When You Came Into My Life», «You And I», а также неподражаемые песни «Always Somewhere», «A Moment In A Millon Years», и «When The Smoke Is Going Down», не могут оставить равнодушными даже ярых противников творчества группы. В 1991 году Scorpions выпускают хит, который становится всемирным номером 1!, - рок-балладу «Wind Of Change», написанную Клаусом Майне. Песня является саундтреком важного политического события конца 20-го века. «Wind Of Change» стала гимном падения Берлинской стены и «Железного занавеса».

Scorpions, во многом благодаря неповторимому энтузиазму их поклонников, являются одной из наиболее успешных рок-групп, только в США они дают более 40 концертов в год в качестве хэдлайнеров. Ежегодно они отыгрывают более сотни концертов для сотен тысяч фанатов во всём мире.

С начала 80-х годов Scorpions являются почётными гостями на всех международных рок-фестивалях. В 1985 году они выступали на первом фестивале «Rock In Rio». В середине 80-х они были в группе лидеров на легендарном рок-фестивале «Monsters Of Rock». Это единственная немецкая группа, которая время от времени выступает на Madison Square Garden в Нью-Йорке. В 1999 году они принимали участие по личному приглашению короля поп-музыки Майкла Джексона в его концерте на стадионе «Olympic» в Мюнихе. В их творческой биографии есть место и таким важным событиям, как открытие «Tour de France» в 2000 году, а затем, в 2001 год, - открытие международного чемпионата по мотогонкам «Masters Of Endurance». В мае 2003 года Scorpions выступают перед публикой, состоящей из 40 мировых правителей на празднике 300-летия Петербурга. В сентябре 2003 года они играют с Президентским Оркестром Российской Федерации на Красной площади. Это было грандиозное световое шоу, созданное известным дизайнером Гертом Хофом.

Этот концерт рядом со всемирно известными Собором Василия Блаженного и мавзолеем Ленина перед Кремлём оставил особый след в истории Scorpions. Для них это очень важно. Они были первыми, проникшими за «Железный занавес». А в 2002 году они вновь становятся первыми: они – первая западная рок-группа, которая дала 23 концерта по всей России и странам бывшего СНГ. Они выступили в крупных городах по обе стороны Уральских гор, которые были необжитой территорией даже для российских организаторов концертов. Они были в «закрытом» Нижнем Новгороде, в историческом Волгограде, в Ростове-на-Дону, в Самаре, в Набережных Челнах, в Перми, в Уфе, в Екатеринбурге, в Челябинске, в Омске, в Новосибирске, в Томске, в Красноярске, в Иркутске, во Владивостоке. Scorpions побывали в городах, не менее значимых для истории Украины. Это и Одесса на побережье Чёрного моря, и Днепропетровск на Днепре, и Харьков.

Scorpions были первой всемирно известной рок-группой, выступавшей за «железным занавесом». Это было в Петербурге, в бывшем Ленинграде, в 1988 год; они дали 10 концертов, билеты на которые были моментально разобраны. А затем было выступление на легендарном фестивале Moscow Music Peace в 1989 году, своеобразном Вудстоке (Woodstock) СССР. Вокалист Scorpions Клаус Майне решил отобразить все свои чувства по этому поводу в песне – супер-хите Wind Of Change. Эта песня, написанная в 1989 году, символизируя падение «железного занавеса», стала своего рода «гимном освобождения» Восточной Европы. В 1990 году Scorpions выступают на концерте, посвященном воссоединению Берлина. Он проходил на площади Постдамер, как раз на том месте, где совсем недавно находилась ужасная полоса, разделявшая город. Концерт был организован Роджером Вотером (Roger Water) и назывался «Стена» (The Wall). А 14 декабря 1991 года Михаил Горбачёв, инициатор гласности и перестройки, а также последний глава и председатель партии СССР, приглашает немецкую группу Scorpions на встречу, проходящую на высшем уровне, в Кремле. Спустя 11 лет, в октябре 2002 года, великие немцы выступают в Волгограде, бывшем Сталининграде, городе, который так печально связывает немецкую и российскую новейшую историю. В 1999 году, в честь празднования 10-летие падения Берлинской Стены, Scorpions приглашает немецкое правительство для выступления у Бранденбургских ворот в Берлине, где во время их Wind Of Change к Scorpions присоединились 166 виолончелистов под руководством легендарного русского виолончелиста Мстислава Ростроповича.

В 2000 году состоялся «коронный номер» Scorpions. Широкомасштабные празднования Берлинского Филармонического оркестра, наследия легендарного Караяна, проводились совместно со Scorpions на Expo в Ганновере. Программа была следующей: выступали классические Scorpions, в чём можно убедиться, послушав CD «Moment Of Glory». Титульная песня, написанная Клаусом Майне, была также и официальным гимном всемирной ярмарки Expo, проводимой в родном для Scorpions городе Ганновере.

А теперь поподробнее об этом событии. Ганноверская Expo состоялась 22-го июня 2000 года. Это была «ночь из ночей», «битва гигантов», «музыкальный обмен пламенем» между рок-группой и классическим оркестром в стандартах, ранее никому не известных. Благодаря этому необычному проекту, Scorpions провели замечательную операцию по объединению оркестровой и рок-музыки, что привлекло большую аудиторию… а иначе зачем было бы так рисковать на рок-арене? Прославившийся аранжировщик и дирижёр Кристиан Колоновитц из Вены видит в этом проекте не что иное, как «событие, благодаря которому в 35-летней карьере Scorpions появилась ещё одна яркая страница». Колоновитц объединил абсолютные музыкальные противоположности в «Crossfire» и «Deadly Sting Suite». В итоге Колоновитц создал настолько оригинальную музыкальную обработку двух совершенно разных типов музыки, что даже самые яростные поклонники классической музыки не могли усидеть на местах в буквальном смысле слова.

Успешное сотрудничество с Колоновитцем принесло свои плоды. И в 2001 году сразу вслед за «Moment Of Glory» создаётся новый проект «Acoustica». В принципе, он уже давно планировался, и его с особым нетерпением ждали поклонники группы из Азии. Scorpions представили технику игры живой музыки – использовались чисто акустические инструменты – как раз так начиналась их карьера музыкантов ещё задолго до появления MTV. Рок-музыка – это их призвание, основа их профессионализма, без которого они никогда не добились бы того, что имеют сейчас. Scorpions очень рады, что выпустили такой замечательны проект, как «Acoustica». Они им очень гордятся. Это было музыкальным испытанием, взять песню «Rock You Like A Hurricane» и дать ей принципиально новое акустическое звучание. В тоже время «Acoustica» послужила стимулом для Scorpions к возвращению к истокам… с «Unbreakable» и показать, что они по-прежнему в хард-роке.

На Клауса Майне, Рудольфа Шенкера и Матиаса Ябса повлияли такие группы и музыканты, как «Spooky Tooth», «The Pretty Things», «The Yardbirds», Eric Clapton, «Cream», Jimi Hendrix, «The Who», «Led Zeppelin», ну и, конечно же, «The Beatles» и «The Rolling Stones». А также им нравились легенды рок-н-ролла 50-х: Jerry Lee Lewis, Little Richard и Elvis Presley.


В 1960-х дороги Клауса Майне и Рудольфа Шенкера пересеклись. Как раз в конце 1969 года они решили объединиться и дальше идти вместе. Огромная дружба Шенкера и Майне привела к эффектной и успешной карьере. В 1979 году Клаус Майне и Рудольф Шенкер приглашают в группу Матиаса Ябса в качестве лид-гитариста. Благодаря его способностям и мастерству группа совершает решительный скачок к мировому успеху. Во многом эта заслуга принадлежит Матиасу, так как именно в это время Scorpions делают резкий шаг вперёд, чтобы зарекомендовать себя как успешную хард-рок-группу. В 1996 году к Scorpions присоединяется американец Джеймс Коттак. Последним пополнением в составе группы было присоединения Павла Мачиводы в 2003 году. Этот бас-гитарист родился в Кракове (Польша). Оба эти музыканта – заслуженные специалисты с мировым опытом.

Но, несмотря на такую долгую историю успеха в мировом музыкальном бизнесе, Scorpions готовы к переменам. Образцовая дружба в составе группы проверена временем, даже при разнообразных изменениях в составе коллектива, что имело место в 35-летней карьере Scorpions.

Для Scorpions характерна феноменальная особенность – это огромное уважение к публике во всём мире. И смотрите, с каждым годом всё больше и больше молодых поклонников их творчества можно видеть в первых рядах – это люди, которых покорил талант Scoprions. Им хочется увидеть своих кумиров.

С самого начала основатель группы Рудольф Шенкер ставил задачей «покорить мир музыкой» и «в один прекрасный день представлять огромную значимость среди хард-рок-групп во всём мире». Используя музыкальные термины, можно сказать, что в 2004 году Scorpions обработали музыку во всём спектре особых рок-жанров: и хард-н-хэви, и акустическая музыка, и кроссовер. Но во всех этих различных аранжировках ясно прослеживается своеобразный стиль группы. Песни Scorpions затрагивают глобальные вопросы и служат отражением того, о чём думают и что чувствуют люди во всём мире. Scorpions удачно работают в стилях от тяжёлых рок-мотивов до трогательных рок-баллад.

Всё это дало Scorpions возможность, будучи единственной немецкой рок-группой, широко любимой публикой во всём мире, создать такую непоколебимую 35-летнюю историю. «Мы часто проходили через ад, чтобы достичь рая. Но мы всегда верили в свои силы и не ставили себе предельных границ», - говорит Рудольф Шенкер, - «просто видеть, как люди реагируют на твою музыку, что они любят её – это лучшее, что может быть». Для Рудольфа это то, что «невозможно не почувствовать». Клаус Майне считает: «Это вновь и вновь захватывающее предприятие – вносить существенный вклад в мировую рок-музыку благодаря понятному всем языку музыки, который разрушает границы и объединяет противоположности». В подтверждение, концерт в Волгограде в 2002 году. Музыканты, рождённые в послевоенной Германии, чувствовали во время этого концерта как бы искупление за прошлое. Матиасу нужна «музыка, которой нет предела», где содержится вся неповторимость Scorpions, для которой не существует понятия времени. Эта музыка нравится и Scorpions, и их поклонникам. Музыка, которую, к тому же, можно играть на живых концертах: где «невозможно ничего спрятать». В 2004 году Клаус Майне даёт объяснение такой впечатляющей истории группы: «Мы никогда не отделяли живых концертов с реальной музыкой от искренних чувств». Это исходит от сердца, которое стремится заглянуть в будущее. И «Unbreakable» - это музыкальный отчёт немецкой группы №1.

История группы SCORPIONS 1965 - 2004 гг.
Источник: Официальный сайт группы Scorpions.

@темы: исполнители, музыка

---

Tommy Emmanuel

[Adrian. A.]

Биография

Говорить о Томми Эмманюэле я могу только в превосходных степенях, ибо его уникальный талант и неповторимый звук покорили меня раз и навсегда много лет назад. Для того чтобы понять экстраординарность таланта Томми, достаточно услышать любой из его альбомов, где, наверняка, вы найдете достаточно мест, чтобы восхититься и охнуть. Но, если ты еще и сам играешь на гитаре, то уникальность и недостижимость уровня таланта, музыкальности, техники и артистизма Томми Эмманюэля становятся еще более отчетливо видны.

Зная технику гитарной игры, ее пределы и возможности, я, временами, не могу себе объяснить, КАК сыграно то, что я слышу на записях Эмманюэля. Имея под рукой арсенал всего из 6 одновременно-возможных звуков, он ухитряется создать звучание большого оркестра, с несколькими полифониями, полиритмически сочетая все основные партии, необходимые для полнозвучного исполнения пьесы.

Если честно, то мне даже и не очень хочется заниматься анализом музыки Томми Эманюэля, ибо она настолько самодостаточна и великолепна, что любые слова будут беднее, чем то, что Томми сказал своей гитарой. Если музыка Эмманюэля вас не впечатляет, то не удивляйтесь и не расстраивайтесь, скорее всего, это просто не ваша музыка.

Меня всегда поражали, и по сей день поражают и притягивают к себе виртуозы. В них есть что-то от Бога (или Дьявола), к чему прикасаться иногда даже страшно, что находится за гранью простого мастерства или знания. Таким для меня всегда был Владимир Горовиц, сидящий за роялем совершенно неподвижно и едва шевелящий прямыми длинными пальцами. Когда я смотрел на его выступления, то даже потрясение от его игры не давало мне возможности абстрагироваться от того, что я видел своими глазами. Почему он играл абсолютно антиклассической постановкой рук? Почему он, в отличие от 99% пианистов, не раскачивался, не показывал каких-либо эмоций, а спокойно и отрешенно играл недостижимую по уровню исполнения и понимания музыку? Как мне кажется, его гениальность находилась за пределами человеческих чувств и понимания. Он жил и играл в другом измерении, а мы пытались понять и уловить лишь ту малую часть, что нам было дано услышать…

Томми Эмманюэль – тоже именно такой виртуоз, способный своим исполнением оставить больше вопросов, чем ответов. Он играет в «другой плоскости», не там и не так, как играет основная масса гитаристов. Даже за внешне простыми и понятными пьесами у Томми всегда остается место для воздуха, всегда будут два, а может быть восемь тактов, или даже один пассаж, способные показать слушателю какой-то кусочек, остающийся за пониманием того - как это возможно сыграть. Слушая его, у меня в мозгу всегда стоит один очень простой вопрос: откуда у Томми вдруг взялись еще 10 струн и пара пальцев в дополнение к основным десяти? Не удивительно, что Томми выпустил массу учебников, видео-лекций и постоянно проводит мастер-классы по всему миру. Вопросы, которые мучают меня во время слушания музыки Томми, точно так же задают себе тысячи музыкантов по всему миру. Всем хочется узнать: как Томми нашел свой уникальный стиль и технику? Всем хочется понять его технику и концепцию, и, наконец, сказать себе: «И я так могу!» У некоторых даже получается подражать, но Томми Эмманюэль все так же остается «the one and only». Он был копирован и реплицирован сотнями музыкантов, разобран и проанализирован до самой последней ноты, но по прежнему остается непревзойденным мастером акустической гитары.

Томми Эмманюэль родился в Австралии в 1956 году. Он начал играть на гитаре в 4 года самоучкой, не имея никакого специального образования. Томми так никогда и не получил академического музыкального образования, он - яркий образец того, что есть люди, которым Бог дал все что необходимо уже при рождении, а вся их остальная жизнь – это всего лишь реализация того, что им было дано природой. В 1960 году, старший брат Томми – 7-летний Фил создал группу, гордо назвав её «The Emmanuel Quartet». В группу Фил взял и четырехлетнего Томми. Прорепетировав несколько месяцев, мальчишки начали публичные выступления, и с тех пор братья Эмманюэли так и не останавливаются работать на сцене всю свою жизнь. В 1966 году, после смерти отца, желая помочь семье, 12-летний Томми начал преподавать гитару, и был уважаем наравне с другими взрослыми преподавателями, ибо уже тогда в нем были видны его экстраординарные музыкальные способности.

В 11 лет, будучи уже опытными музыкантами-исполнителями, Томми привлекает в группу младшего брата Криса, играющего на ударных, и сестру Виржинию, которая играет на слайд гитаре. Новую группу они называют «The Trailblazers» и начинают интенсивно гастролировать. Через год после создания группы Томми выигрывает телевизионный конкурс молодых талантов и записывает свою первую пластинку. С тех пор Томми сделал свыше 2000 записей, выпустил 16 сольных альбомов и участвовал в записях едва ли не всех звезд мировой сцены. В своих работах, Томми, кроме гитары, играет на банджо, мандолине, ударных и перкуссивных инструментах, фортепиано, поет, аранжирует и выступает в качестве композитора.

Приехав впервые в Штаты, Томми первым делом поехал в Нэшвилл, к своему кумиру Чету Аткинсу, которого боготворил и копировал. Его дружба с Четом продолжалась около 20 лет (до самой смерти Чета). В 1998 году, после многих лет дружбы, они записали совместный альбом, который я не устаю слушать и поражаться. К концу своей жизни Чет Аткинс не раз говорил, что теперь уже он учится у Томми и считает его лучшим гитаристом из ныне живущих.

Первым местом, где вы можете почитать о Томми, посмотреть записи его интервью и уроков будет его вебсайт: www.tommyemmanuel.com

@темы: исполнители, музыка

---

Mark Freuder Knopfler

[Les Poll]

Сэр Марк Фро́йдер Но́пфлер (англ. Mark Freuder Knopfler, род. 12 августа 1949, Глазго, Шотландия) — британский рок-музыкант, певец и композитор, один из сооснователей группы Dire Straits. Его вокал лучше всего описывается немецким термином Sprechgesang — не совсем пение, но и не разговор. Он использует гитару так, как будто она является его вторым «голосом».

Наибольшую популярность приобрёл в качестве автора песен, соло-гитариста и вокалиста группы Dire Straits, а сейчас ведёт сольную карьеру и выступал с другими проектами (например The Notting Hillbillies). Работал с множеством артистов, включая Боба Дилана, Эрика Клэптона, Стинга, Чета Эткинса (альбом Neck & Neck является самой крупной их совместной работой). Продюсировал альбомы очень многих музыкантов, среди которых Тина Тёрнер, Крис Ри, Боб Дилан, Эмиллу Харрис. Написал музыку к таким фильмам, как Local Hero, The Princess Bride, Call, Metroland, Last Exit to Brooklyn и Wag the Dog.

В 2003 году артист попал в автомобильную аварию, и отменил турне поддержки альбома The Ragpicker’s Dream (2002), но через год сумел вернуться на сцену.

В России дважды проходили гастроли исполнителя.

Нопфлер — один из лучших гитаристов, предпочитающих пальцевую технику звукоизвлечения. Он занял 27 позицию в списке 100 величайших гитаристов всех времён по версии журнала Роллинг Стоун.

Ключевые факты

Музыка

Марк Нопфлер левша, но играет на «праворучной» гитаре пальцами (используя собственный вариант звукоизвлечения). Его стиль подразумевает отсутствие медиатора при игре как на акустических, так и на электро-гитарах. В интервью французскому телевидению Марк рассказал, что использует медиатор при записи в студии и для работы над ритмическими партиями. Марк Нопфлер — гитарный герой восьмидесятых, у него в запасе десятки различных соло и риффов. Звук его гитар менялся от чистого в ранние годы к «роковому» перегруженному звуку, а затем к мягкому, тёплому звуку в сольных проектах.

Является владельцем обширной коллекции гитар, которая включает:

* Стратокастеры, в том числе выпуска 1954 года, названный «Jurassic Strat»
* Телекастеры
* Лес-Полы, в том числе 1958 и 1959 годов выпуска
* Pensa (www.pensaguitars.com) (MK-1 MK-2 & MK-80)
* Винтажные Schecter
* National Style 0
* A Gibson super 400
* Ramirez Spanish Guitar

Его именной стратокастер можно посмотреть на официальном сайте компании Fender.

Личная жизнь

Был женат три раза. Вторая жена Лурдес Саломон с 1983 по 1993 годы. В 1987 году родила двух близнецов, Бенджамина и Джозефа. От третьего брака с Китти Олдридж две дочери — Изабелла (род. 1998) и Катя Руби Роуз (род. 2003). В настоящее время семья проживает в Челси.
Тема «Going Home» звучит перед домашними матчами команды «Ньюкасл Юнайтед» на стадионе «Сент-Джеймс Парк», который Марк иногда посещает с семьёй.
В 1993 году Нопфлер получил почетное звание доктора музыки университета города Ньюкасла, а в 1999 — орден Офицера Британской Империи (OBE).

Дискография

Альбомы с Dire Straits

* Dire Straits (1978)
* Communique (1979)
* Making Movies (1980)
* Love Over Gold (1982)
* ExtendedancEPlay (1983)
* Alchemy Live (1983)
* Brothers in Arms (1985)
* Money For Nothing (1988)
* On Every Street (1991)
* On The Night (1993)
* Live At The BBC (1995)
* Sultans of Swing (1998)

Соло альбомы

* Golden Heart (1996)
* A Night In London (1996)
* Sailing to Philadelphia (2000)
* The Ragpicker’s Dream (2002)
* Shangri-La (2004)
* One Take Radio Sessions (2005)
* The Best of Dire Straits & Mark Knopfler: Private Investigations (2005)
* Kill To Get Crimson (2007)

Саундтреки

* Local Hero (1983)
* Call (1984)
* Comfort and Joy (1984)
* The Princess Bride (1987)
* Last Exit to Brooklyn (1989)
* Screenplaying (1993)
* Metroland (1998)
* Wag the Dog (1998)
* A Shot at Glory (2001)

Другие альбомы

* Missing…Presumed Having a Good Time (The Notting Hillbillies) (1990)
* Neck and Neck (with Chet Atkins) (1990)
* The Booze Brothers (Brewer’s Droop)
* Slow Train Coming (Bob Dylan)
* Infidels (Bob Dylan)
* Release (David Knopfler)
* Never Told a Soul (John Illsley)
* Glass (John Illsley)
* Sea Fever (William Topley)
* All the Roadrunning (with Emmylou Harris) (2006)
* Real Live Roadrunning (with Emmylou Harris) (2006)

Интересные факты

* Во время выступлений с 2005 года на сцене распивался чай.
* Динозавр Masiakasaurus Knopfleri назван в честь Нопфлера.
* Он также играет на перкуссии, например в альбоме Local Hero.
* Марк - большой любитель гоночных машин и мотоциклов:
o Участвовал в гонках ретро-автомобилей.
o Вручал призы победителям мото-соревнований.

@темы: исполнители, музыка

---

Eric Clapton

[Adrian. A.]

Э́рик Па́трик Клэ́птон (англ. Eric Patrick Clapton, родился 30 марта 1945) — британский рок-музыкант (композитор, гитарист, вокалист). Командор Ордена Британской империи. Его прозвище — «медленная рука» (англ. Slowhand). Клэптон стал одним из самых уважаемых и влиятельных музыкальных деятелей в эру рока. Его стиль со временем менялся, но он всегда держался блюзовых корней. Играл с блюз-роковыми командами (John Mayall's Bluesbreakers, The Yardbirds), с хард-роковыми (Cream), много работал сольно и как сессионный музыкант.

Ключевые факты

* Эрик Клэптон — единственный музыкант, который трижды был включен в Зал славы рок-н-ролла — в качестве сольного исполнителя и члена рок-групп «Cream» и «Yardbirds».

На фото изображен со своей самой крутой гитарой. у одного российского музыканта такая же есть.

* Клэптон фигурирует в составленном журналом Rolling Stone списке величайших гитаристов всех времен на двадцать седьмом месте.

* Самым успешным синглом за всю сольную карьеру Клэптона была его кавер-версия «I Shot the Sheriff» Боба Марли, которая возглавила американские чарты в сентябре 1974 г.

* Одним из «коронных» соло Клэптона стала соло-партия в песне The Beatles «While My Guitar Gently Weeps», для записи которой его пригласил Джордж Харрисон. Неизвестно доподлинно — либо Харрисон был недоволен собственной версией соло, либо Клэптон был приглашён с целью разрядить напряжённую обстановку, царившую в группе во время записи «Белого альбома».

* Клэптон играл на записях Элтона Джона («Runaway Train», 1992), Стинга («It’s Probably Me», 1992) и Шер («Love Can Build a Bridge», 1995), Роджера Уотерса («The Pros and Cons of Hitch Hiking, 1984).

* Сочиненная Клэптоном в 1970 году баллада «Layla» стала прообразом бесчисленного количества гитарных композиций на романтические темы. Переработанная версия песни была удостоена в 1992 г. премии «Грэмми». Журнал «Rolling Stone» включил ее в число 30 величайших песен в истории современной музыки, а в аналогичном списке по версии музыкального канала VH1 она заняла 16-е место.

* В 1993 году Клэптон выиграл премии «Грэмми» во всех самых престижных номинациях — «альбом года» («MTV Unplugged"), «песня года» («Tears In Heaven») и «запись года» («Tears In Heaven»).

Дискография (1966-2007)

* «Blues Breakers» (1966)
* «Fresh Cream» (1966)
* «Disraeli Gears» (1967)
* «Wheels Of Fire» (1968)
* «Goodbye» (1969)
* «Blind Faith» (1969)
* «Layla And Other Assorted Love Songs» (1970)
* «Eric Clapton's Rainbow Concert» (1973)
* «461 Ocean Boulevard» (1974)
* «There's One In Every Crowd» (1975)
* «a E C Was Here» (1975)
* «No Reason to Cry» (1976)
* «Slowhand» (1977)
* «Backless» (1978)
* «Just One Night» (1980)
* «Another Ticket» (1981)
* «Money and Cigarettes» (1983)
* «Behind The Sun» (1985)
* «August» (1986)
* «Journeyman» (1989)
* «24 Nights» (1991)
* «Rush» (1992) - саундтрек к фильму «Rush» («Кайф»)
* «The airdbirds with Jeff Beck & Eric Clapton» (1992)
* «From The Craddle» (1994)
* «Pilgrim» (1998)
* «Blues» (1999)
* «B.B. King, Eric Clapton-Riding with the King» (2000)
* «Reptile» (2001)
* «One More Car One More Rider» (2004)
* «Me & Mr Johnson» (2004)
* «Back Home» (2005)

@темы: исполнители, музыка

---

Рассказы

[Adrian. A.]

Пишу рассказ про музыканта и настоящую Музыку...
Играй. Умри, но играй!
Может быть кому-нибудь понравится...

@темы: творчество

---

Сравните

[Adrian. A.]

Pink Floyd - High Hopes
Nightwish - High Hopes

Pink Floyd все равно лучше...

@темы: видео, музыка

---

Esthetic Education

[Long a Blues]

Недавно открыла для себя эту группу. Довольно интересная, если честно.

Группа Esthetic Education родилась из пены «Океана Эльзи» Несколько лет назад в Москве лондонский бельгиец Луи Франк, актер и режиссер, встретился с украинцами Димой Шуровым и Юрой Хусточкой, тогда еще участниками популярной украинской рок-группы «Океан Эльзи». Дружить продолжили в Киеве (Луи приехал вместе с ребятами писать музыку к своему кинофильму «Марфа», в главной роли снялась его жена — актриса Дина Корзун). «Марфой» не ограничились и решили продолжить сотворчество уже в составе своей группы Esthetic Education — «Эстетическое образование». Юра и Дима оставили «Океан Эльзи», Луи — режиссерство, стали делать свою музыку, которую условно можно назвать чувственным интеллектуальным роком. Вечером у них концерт. Будет страстно петь со сцены Луи — брюнет с обаятельным родимым пятном на лице. На равных поддержат вокалиста пианист Дима и басист Юра.

Интервью

А пока мы беседуем с Луи за столиком клуба. Дима еще не приехал, Юра настраивается этажом выше и присоединяется позже.

— Название Esthetic Education идейное? Оно проецируется на содержание?

— Нет. Мы долго мучились, пока случайно не увидели на стенде одной из наших первых репетиционных баз слова «эстетическое образование». Теперь нужно быть ответственными к ним.

— А какую эстетику вы преподаете?

— Об этом должны думать вы, слушая нашу музыку. Важно, что мы не шли по самому простому пути, и в этом тоже есть определенная эстетика. Возможно, поэтому, если наша музыка понравится человеку, то это надолго. Я не уверен, что музыка радио и телевидения — это реальность. Это параллельный мир, а мы ближе к настоящему с его сложностями и непонятностями.

— А какие мировые процессы мощнее — созидающие или разрушительные? В России, например?

— Здесь все развивается очень быстро, особенно в Москве. Но при этом существует духовный кризис. Люди думают только о деньгах.

— Как это отражается на музыкантах?

— Сейчас почти все люди, которые занимаются искусством, делают свой бизнес. И, к сожалению, думают прежде всего о продаже своего продукта. Оптимальные условия во Франции: ты можешь быть художником, получать деньги от государства, сидя дома и рисуя. Но это не значит, что уровень искусства там выше, чем в других странах. В России у большинства музыкантов, как и у многих других людей, на уме власть, деньги, каникулы, дачи. Исключение — Петр Мамонов. Он настоящий художник в душе, но живет в селе, не задумываясь о прибыли. Он реально глубокий человек, искренний, свободный.

— Вы сами о бизнесе думаете?

— Нас крутят по радио и телевидению, но все равно считают не частью шоу-бизнеса, а альтернативной музыкой.

— Культивирование денег: проблема или закономерность исторического развития?

— Конечно, проблема. Но закономерная. Сейчас материальное время, и люди — материалисты. Раньше они просто мечтали о каких-то вещах, а сейчас получили возможность реализовать материальные мечты и забыли обо всем остальном. В Индии я увидел первобытные условия жизни, грязь, но люди там счастливые и улыбающиеся. Я подумал: «У нас много всякого барахла и комфорта, но мы так несчастны и так одиноки. Может, мы ничего не понимаем и главное — есть досыта, заниматься любовью и спать?». Белые люди очень сильно навредили земле, и теперь нас все меньше и меньше, скоро мы превратимся в зоопарк. Россия любит считать себя центром мира, но это далеко не так. Центр мира — это Китай, в самом его названии это утверждение заложено. А Россия никогда не была и не будет центром мира, даже посредством своей территории. Большая территория только мешает развиваться — ее сложно контролировать и обеспечивать. Большая страна — большие проблемы.

— А вас они беспокоят?

Юрий (бас-гитарист): Конечно. Мы — аполитичная группа, но в этом и состоит наша политическая позиция. Это не отстранение. Это просто неучастие в манипуляции людьми, которой и является политика. Луи: История показывает, что соединение политики и искусства ни к чему хорошему не приводит. Хотя президенты — актеры. Когда я вижу, как Путин пьет чай с простыми людьми, отвечает на все их вопросы, создается ощущение, что он делает те вещи, которые нужно. Забываешь о том, что президенты делают то, что нужно им самим. У России сейчас есть лет двадцать, чтобы поддержать свое искусство, пока китайское коммунистическое кино его окончательно не вытеснило.

— Связано ли то, что русских музыкантов не принимают в других странах, с особенностями национального менталитета?

Луи: Я думаю, это связано с комплексом, который испытывает любой русский человек, выезжая за границу. Это может проявляться двумя способами: либо он напивается и громко кричит, показывая, какой он крутой, либо окончательно закрывается от всех. Единственные русские исполнители, которые были известны за рубежом, это «Тату». Но они были странно и недолго успешны, в основном в Японии и Южной Америке, где целующиеся девочки были экзотикой. Невостребованность за рубежом — проблема не только русских музыкантов, но и актеров, писателей… И все-таки странно, почему, например, Жанна Агузарова, перед которой я готов встать на колени, никому не нужна в Америке. Она там просто официантка, хотя безумно талантлива!

— У вас не случается конфликта менталитетов?

Луи: В нашей группе три равноценных лидера, хотя это сложно и иногда больно. Мы даем друг другу свободу, но мы все равно вместе. Иногда каждый из нас в глубине души мечтает, чтобы появился тиран, ударил кулаком по столу и стал бы всех контролировать. Но в равноправии — наша уникальность.

— Существует мнение, что для русского слушателя важен текст. Вы поете на английском.

Юрий: Англоязычностью мы отсекаем довольно большой пласт аудитории. Но в России живут 147 миллионов людей. Даже если вычесть две трети (не знающих английского. — Н.М.), получается 50 миллионов. Нам вполне достаточно. Луи: Невозможность петь по-русски — моя проблема. Мы пробовали делать песни на русском языке, но пока получается просто стеб.

— А ведь вы поете о том, что близко многим моим соотечественникам...

Луи: Весь наш первый альбом посвящен проблемам взаимоотношений личности и общества. Есть песня про алкаша, с которым разговаривает ангел и объясняет, как нужно себя вести, про мужчину и женщину, которые любили, но не могли удержать друг друга, про клоуна, который совершенно не талантлив, но при этом выступает, про человека, который ослеп и представляет свой ум как лес. Он гуляет внутри своей головы, потому что ему больше ничего не остается делать. Следующий альбом, «Оборотень», будет более метафоричным. Там человек вспоминает свою прошлую жизнь, в других сферах, на других планетах.

— Чем отличается русская публика от западной и украинской?

Юрий: Русские люди более эмоциональны. Они могут одновременно любить и ненавидеть, хвалить и ругать. Так они себя проявляют. Как в футболе: стоит какой-то команде проиграть, на сайте ее появляется список, состоящий из нецензурных слов, выиграть — дифирамбы. Луи: Зато здесь если любят, то надолго, а на Западе тебя могут выкинуть через 10 минут. Здесь люди преданные. Моя жена — русская. И я знаю, что она будет любить меня, даже если я буду лежать на диване и ничего не делать, как Обломов, а это самое главное. Чтобы человеку быть счастливым, ему важно чувствовать, что его любят независимо от того, кто он и что он делает. В мире не хватает любви, независимой от обстоятельств. Идея рая на земле — американская мечта — испортила многих людей. Все стали думать, что они главные, и захотели иметь все. Нужно понимать, что ты зависим от всех. Надо помнить, что человек рождается беззащитным и выживает с помощью других людей. Это осознание мы заменяем жестокостью.

— В истории России были времена гениев. Как вы думаете, они повторятся?

Луи: Конечно. Сегодня вы хотите иметь стиральную машину, водить машину, иметь домик в деревне. Когда этими материальными ценностями будет обладать большинство людей в городах, начнут рождаться новые гении. Золотая эра Советского Союза — 60-е годы. Сейчас все идет своим чередом. Очень важно, что Россия оплатила все долги и теперь у нее есть большой шанс активно развиваться. Талантливые люди постепенно появляются в мире российской культуры. Недавно украинскими и российскими сопродюсерами было снято кино Orange Love. В главной роли — Алексей Чадов. Он настоящий талант, играющий как международный актер, как русский Том Круз. А примерно через 10 лет станут появляться другие масштабные личности, которых сейчас так не хватает. В музыке они уже появились. Это мы. Я уверен, что мы — будущее музыки России. И я это говорю не с пафосом, а потому, что на пересечении культур мы создали что-то интересное.

Беседовала Наталья Малахова
22.04.2007

@темы: исполнители, музыка

---

Ночная подборочка.

[Adrian. A.]

Mark Knopfler great guitar solo
Layla - Mark Knopfler and Eric Clapton duet
Mark Knopfler - Brothers in Arms
Mark Knopfler - Speedway at Nazareth - Rome 2005
Pink Floyd - Another Brick in the Wall (Pt. 2)
Pink Floyd - Wish You Were Here - Live 8
Pink Floyd - Comfortably Numb - Live 8
Mark Knopfler The Long Road Aided and Abetted by Gaz

Отлично слушается ночью с выключенным светом. Последнюю композицию хорошо слушать под утро...

@темы: видео, музыка

---

Виктор Цой

[Les Poll]

Виктор Цой - харизматический лидер — автор песен, певец, гитарист, актер и художник российской рок-группы "Кино" (Ленинград).

Группа «Кино» явилась одним из крупнейших художественных феноменов, рожденных отечественной рок-культурой, а ее харизматический лидер — автор песен, певец, гитарист, актер и художник — Виктор Цой (21 июня 1962 — 15 августа 1990) стал, говоря словами одной из его песен, «последним героем» золотой эпохи русского рока.

Биография

Виктор Цой родился 21 июня 1962 года в Ленинграде, в семье преподавателя физкультуры Валентины Васильевны и инженера Роберта Максимовича. В 1969 году Виктор поступил в школу, где работала его мать. Вместе с ней он сменил три школы. В 1974-77 годы посещает среднюю художественную школу. В 1978 году, окончив восемь классов, поступил в художественное училище им. В. Серова

В 1976 Виктор Цой познакомился с автором песен и певцом М. Пашковым, вместе с которым они чуть позже организовали группу. Вопреки господствовавшей моде, «Палата № 6» пыталась исполнять бит собственного сочинения.

В воздухе повеяло свежими музыкальными идеями. Именно в этот период Цой начал сочинять собственные песни, как правило, основанные на его собственных жизненных наблюдениях.

Осенью 1981 появилась группа «Гарин и Гиперболоиды» в составе: Виктор Цой, Алексей «Рыба» Рыбин (гитары и вокал) и Олег «Базис» Валинский (барабаны). В ноябре 1981 они вступили в Ленинградский рок-клуб. Весной 1982, заменив прежнее название на «Кино», записали альбом «45» (названный так по длительности его звучания). В качестве саунд-продюсера выступил Борис Гребенщиков, а в роли сессионных музыкантов — все участники группы «Аквариум».

На протяжении 1982 группа дала еще несколько концертов в Москве, а в 1983 состав группы поменялся. В мае 1984 «Кино» в составе: Виктор Цой, Юрий Каспарян (гитара), Александр Титов (бас-гитара) и новый барабанщик Георгий «Густав» Гурьянов, за два месяца отрепетировав новую программу, стали лауреатами второго Ленинградского рок-фестиваля. Это была настоящая сенсация. Тогда же группа записала свой знаменитый альбом «Начальник Камчатки».

В 1985 году, после получения еще одного лауреатского звания на Третьем ленинградском рок-фестивале, музыканты сели в студию, чтобы записать новый альбом «Ночь», должный быть созданным, по замыслу группы, в соответствии с последними веяниями современной западной популярной музыки. Однако дело шло медленно, эксперименты затягивались, и альбом был брошен недоделанным. Вместо него «Кино» записали работу «Это не любовь», быстро разошедшуюся по стране в виде магнитоальбома. В ноябре 1985 Титова сменил бас-гитарист Игорь Тихомиров. С этого момента и до самого конца состав «КИНО» оставался неизменным.

В начале 1986 группа доделала альбом «Ночь», позже вышедший пластинкой на фирме «Мелодия»; в том же году был записан и альбом «46». Популярность группы стала расти как на дрожжах. Звучание «Кино» в этот период находилось на самом гребне моды. Музыканты внимательно наблюдали за эволюцией музыкального процесса на Западе и пытались найти применение в своей музыке наиболее интересному из услышанного. Песни «Кино» отличались обилием свежих мелодических находок, а в талантливых текстах Виктрора Цоя романтико-героическая поэтика соседствовала с зарисовками с натуры, сдержанной иронией и юмором. В 1986 группа с успехом выступила на совместном фестивале Ленинградского рок-клуба и Московской рок-лаборатории в Москве.

В конце 1986 в Америке вышла двойная пластинка Red Wave («Красная волна»), спродюсированная рок-певицей Дж. Стингрей, на которой, наряду с записями групп «Аквариум», «Алиса» и «Странные игры», были записаны песни «Кино». Позже Стингрей вышла замуж за гитариста «Кино» Юрия Каспаряна.

После успеха альбома «Группа крови» (1988), а также появления группы «Кино» в фильме С. А. Соловьева «Асса» страну охватила настоящая «киномания».

Романтический герой Виктора Цоя оказался необычайно созвучен настроениям молодых слушателей «поколения перемен». После завершения съемок в картине Р. Нугманова «Игла» (1989) группа вернулась к активной гастрольной жизни.

В 1988-90 «Кино», в атмосфере все более нараставшей вокруг имени Цоя экзальтации тысяч юных поклонников, дало десятки концертов по всей стране. В рамках движения «Next Stop» они гастролировали в Дании, выступили на крупнейшем во Франции рок-фестивале в Бурже, приняли участие в советско-итальянском рок-фестивале «Back In The USSR» в Мельпиньяно.

В 1989 вышел альбом «Звезда по имени Солнце», который — первым и последним в истории группы — был записан в профессиональной студии. Казалось, «Кино» обречено на дальнейший оглушительный успех. Но 15 августа 1990 Виктор Цой нелепо и трагически погиб в автокатастрофе.

Той же осенью трое оставшихся участников «Кино» сумели доработать чудом уцелевшую в аварии пленку с демо-записью новых песен Цоя, известную сегодня как «Черный альбом» (1990). Позднее, усилиями вдовы Цоя, Марьяны, вышел альбом «Неизвестные песни Виктора Цоя» (1992), включавший ранние записи «Кино», а на протяжении 1990-х годов все творческое наследие группы было переиздано на компакт-дисках «Moroz Records». В 1996 «Отделение Выход» издало совместный концерт Майка Науменко и Виктора Цоя, записанный в Москве в январе 1985.

Сразу после 1990 пути бывших участников «Кино» разошлись. Легендарная группа распалась. (А. Бурлака)

Еще:

15 августа 1990 года погиб в автокатастрофе, 28-летний лидер рок-группы "Кино", посмертный кумир молодежи Виктор Цой.

«Кино» (Ленинград). Группа начинала дуэт Виктора Цоя и Алексея Рыбина... В 1981 они заключают творческое соглашение о сотрудничестве и начинают репетировать. Первоначальный состав назывался «Гарин И Гиперболоиды...

Однажды, возвращаясь с загородного концерта, Борис Гребенщиков услышал в электричке песню Виктора Цоя в его исполнении («Мои друзья идут по жизни маршем»). После более близкого знакомства при помощи Гребенщикова Цой, Рыбин и басист Михаил Васильев («Аквариум») под драм-машину записывают альбом «45» (Гребенщиков играл на гитаре). Песни «Время есть, а денег нет», «Электричка», «Белая гадость» и «Бездельник» становятся хитами.

В апреле 1982 состоялся электрический дебют «Кино», в котором в качестве приглашенного гитариста играл Михаил Науменко. Затем «Кино» едет в Москву, где имеет шумный успех».

Летом 1985 года «...вышел альбом «Это не любовь». ...В альбоме проявился «закрытый» подход Виктора Цоя к иронии, что явилось причиной непонимания у совсем молодых и неожиданного успеха у имеющих некоторый жизненный опыт. Из хитов упомянем заглавный «Уходи» и «Безъядерную зону». Практически одновременно записан и альбом «Ночь», очевидными успехами которого стали «Мама-анархия» и версия «Последнего героя». Остальное трудно считать удачей, т.к., видимо, представления о звуке у группы и оператора разошлись. Однако именно этот альбом выпущен «Мелодией» (без уведомления Виктора Цоя)».

Альбом «Группа крови», вышедший в конце 1987, по вопросам официальных и неофициальных изданий, стала лучшим альбомом 1988.

Пожалуй, это самая зрелая работа «Кино» - Виктор Цой сумел спеть об общечеловеческих ценностях в столь конъюнктурный период. Американская критика неожиданно высоко оценила альбом, найдя его более свежим и достоверным, чем вышедшие там одновременно диски Гребенщикова и «Звуков Му»...»

После окончания турне по Союзу, отдыхая в Юрмале, Виктор Цой попал в автомобильную катастрофу и погиб. Это случилось 15 августа 1990. Буквально за день до трагедии они с Ю. Каспаряном закончили черновую запись нового альбома.

@темы: исполнители, музыка

---

Pink Floyd

[Adrian. A.]

История

Музыкальное направление – психоделия, арт-рок

Страна – Великобритания

Середина 60-х – группа образована в Лондоне

1967 г. – выход дебютного альбома

С начала 70-гг – ведущая группа психоделического арт-рока

1973 г. – выход альбома «Обратная сторона луны» (The Dark Side of The Moon), считающегося вершиной творчества группы

1986 г. – распад группы

1987 г. – возрождение группы

Британская группа «Пинк Флойд» на протяжении болеечем тридцати лет своего существования сохраняет почитателей во всеммире. Сложившись в рамках психоделического андеграунда, творчествогруппы развивалось в дальнейшем русле арт-рока – не случайновыработанный «Пинк Флойд» музыкальный стиль иногда называютпсиходелическим арт-роком. С течением времени творчество «Пинк Флойд»претерпело значительные изменения, однако лучшее из достигнутого всегдасохранялось, и группа никогда не утрачивала вкуса к дальнейшимэкспериментам. Новаторство «Пинк Флойд» проявилось не только в музыке,но и в использовании последних технических достижений в студийнойработе и на концертах. Так, группа одной из первых применила лазерную иквадрофоническую аппаратуру, демонстрировала слайды, кино, анимацию ит.д. Важную роль играли и тексты композиций, многие из которых былипосвящены сложным общечеловеческим проблемам одиночества, отчуждения,безумия, страха смерти. Подобная тематика усиливала и без того мощноевоздействие музыки.

Группа «Пинк Флойд» образовалась в середине 60-хгг. в Лондоне. Ее участниками стали гитарист и певец Сид Барретт (SydBarrett, настоящее имя и фамилия Роджер Кит Барретт, Roger KeithBarrett, родился в 1946 г.), бас-гитарист Роджер Уотерс (полное имя ифамилия Джордж Роджер Уотерс, George Roger Waters, родился в 1944 г.),клавишник Рик Райт (Rick Wright, полное имя и фамилия Ричард УильямРайт, Richard William Wright, родился в 1945 г.) и ударник Ник Мейсон(Nick Mason, полное имя Николас Беркли Мейсон, Nicholas Berkeley Mason,родился в 1945 г.). Барретт был талантливым гитаристом, исполнявшимодновременно партии соло- и ритм-гитары и умевшим извлекать из своегоинструмента самые невероятные звуки. Он также писал оригинальную музыкуи тексты, в которых причудливым образом преображались детские сказки,научная фантастика, восточная философия и космические образы, навеянныеэкспериментами с ЛСД. Уотерс, Райт и Мейсон раньше играли вритм-энд-блюзовой группе «Сигма-6» (Sigma-6), сменившей затем рядэкстравагантных наименований. Предложенное Барреттом название «ПинкФлойд» (Pink Floyd) составлено из имен двух почитаемых им американскихисполнителей блюза – Пинка Андерсона и Флойда Каунсила.

Первый альбом «Пинк Флойд» — «Волынщик у врат зари»(The Piper At The Gate Of Dawn, 1967 г.) – включал в основном песниБарретта и нес на себе отпечаток психоделии со свойственными для неедлинными, насыщенными импровизациями композициями. Но из-заупотребления ЛСД психическое состояние музыканта ухудшилось, и в 1968г. было официально объявлено о его уходе из группы. ВпоследствииБарретт выпустил сольные альбомы «Сорванец смеется» (The MadcapLaughs), «Барретт» (оба 1970 г.) и другие, вызвавшие интерес упоклонников его творчества.

На место Барретта пришел гитарист и певец ДейвГилмор (Dave Gilmour, полно имя и фамилия Дэвид Гилмор, David Gilmour,родился в 1946 г.). Записанный с его участием альбом «Полное блюдце секретов» (A Saucerful Of Secrets, 1968 г.) отразил переход от раскрепощенности психоделии к более структурированной музыке.

Следующий альбом – «Больше»(More, 1969 г.) – представлял собой музыку для одноименного фильманемецкого режиссера Барбета Шредера о жизни хиппи. В дальнейшем группанеоднократно создавала музыку к кинофильмам. Несколько композиций «ПинкФлойд» прозвучало в фильме итальянского режиссера МикеланджелоАнтониони «Забриски-Пойнт» – печальной истории о двух разочаровавшихсяв современном мире людях. В 1972 г. к фильму Шредера «Долина»,продолжившему тему хиппи, группа написала музыку, выпущенную на альбоме«Скрытая облаками» (Obscured by Clouds).

Экспериментальный двойной альбом «Аммагамма»(Ummagumma, 1969 г.) содержит запись одного из концертов группы, атакже индивидуальные работы каждого из ее участников. Творческие поискипродолжил альбом «Мать с атомным сердцем»(Atom Heart Mother, 1970 г.), одна из сторон которого представляетсобой целостную композицию с оркестровыми и хоровыми ставками.

Наиболее продуктивный этап в творчестве группы начался с альбома «Вмешательство» (Meddle, 1971 г.). Композиция «Эхо»(Echoes), занимающую вся вторую сторону диска, многие поклонники «ПинкФлойд» до сих пор считают лучшим из созданного группой. Присутствующиездесь «космический» органный фон, гипнотический ритм и обилие звуковыхэффектов стали характерными чертами звучания «Пинк Флойд». Самым жекрупным успехом оказался альбом «Обратная сторона Луны»(The Dark Side Of The Moon, 1973 г.). И хотя в британском хит-параде онтак и не поднялся выше второго места, зато в американском спискедвухсот лучших альбомов пребывал в общей сложности более пятнадцатилет! Рекорд, который пока никому не удалось побить. Песня «Деньги» (Money) с этого диска – одна из наиболее известных композиций группы. Следующий альбом «Хочу, чтобы ты был здесь»(Wish You Were Here, 1975 г.), посвященный трагической судьбе СидаБарретта, занял первые места в хит-параде Великобритании и США.

Новый этап творчества группы открылся альбомом «Животные»(Animals, 1977 г.), где под влиянием Уотерса музыка группы стала жестчеи ритмичнее, а тексты содержат едкую сатиру на людей, представленных вобразах животных. В 1979 г. появился самый амбициозный проект «ПинкФлойд» — двойной альбом «Стена»(The Wall), рассказывающий историю жизни рок-музыканта по имени Пинк.Альбом занимал первое место в американских списках популярности втечение пятнадцати недель. Вошедшая в него песня «Еще один кирпич в стене»(Another Brick In The Wall) стала первой композицией группы,поднявшейся на вершины хит-парадов Великобритании и Соединенных Штатов.В ходе работы над альбомом Уотерс занял главенствующее положение вколлективе, что создало напряженность в отношениях между музыкантами. В1977 г. «Пинк Флойд» покинул Райт. Следующий альбом – «Окончательный монтаж»(The Final Cut, 1983г.), — по существу, оказался сольным проектомУотерса, который самостоятельно написал весь материал. Этот антивоенныйальбом, посвященный памяти погибшего на войне музыканта, в мелодическомплане самый бедный из всего записанного группой.

К тому времени участники «Пинк Флойд» не разобращались к сольным проектам. Наиболее интересные из них – альбомы«Дэвид Гилмор» (1978 г.) и «О лице» (About Face, 1984 г.) Гилмора,«Эротический сон» (Wet Dream, 1978 г.) Райта и «За и против автостопа»(The Pros And Cons Of Hitch Hiking, 1984г.) Уотерса. В 1986 г. Уотерс,настроенный на самостоятельную деятельность, заявил о роспуске «ПинкФлойд». На следующий год он выпустил очередной сольной альбом «РадиоКАОС» (Radio K.A.O.S., 1987 г.). Скромные результаты продажи этихальбомов ясно показали, что публика отдает предпочтение творчествугруппы, а не ее отдельных участников. Это стало очевидно Гилмору,который начал пути воссоздания «Пинк Флойд» уже без Уотерса.

Вышедший в 1987 г. альбом «Кратковременная потеря рассудка»(A Momentary Lapse Of Reason) звучал вполне традиционно для «ПинкФлойд». Гилмор записал его практически самостоятельно, хотя вторымчленом группы значился Мейсон, а среди других приглашенных музыкантовчислился и Райт. К выходу альбома были приурочены мировые гастролигруппы. Возмущенный возрождением «Пинк Флойд» без его согласия, Уотерсвозбудил судебное разбирательство, которое продолжалось до недавнеговремени и закончилось компромиссом.

Тем временем Уотерс выступил с концертом «Стена» вБерлине (1990 г.), в котором приняло участие множество звезд поп- ирок-музыки. Он также выпустил еще один альбом – «Позабавили до смерти»(Amused To Death, 1992 г.), — доброжелательно встреченный слушателями икритикой.

В свою очередь, «Пинк Флойд» в составе Гилмора, Райта и Мейсона записали альбом «Колокол разделения»(The Division Bell, 1994 г.), посвященный отсутствию взаимопониманиямежду людьми. Последний на сегодняшний день диск группы – сборник «Эхо» (Echoes, 2001 г.).

@темы: исполнители, музыка

---

[Les Poll]

Приветствую.

Это сообщество посвящено в основном обсуждению музыки - старого рока, джаза, блюза, классики.
Так же в сообщество можно выкладывать собственное творчество, связанное с музыкой.

Правила.

- действуют стандартные правила @дневников.
- посты типа "ура, я здесь" и прочий флуд не приветствуется и удаляется.
- рекламе - нет!
- Если пишете пост с историей (биографией) группы (музыканта), вложите фото, чтобы я мог добавить его в альбом.
- В заголовке поста указывайте название группы, историю которой вы публикуете.
- просто так сидеть в сообществе не имеет смысла, потрудитесь написать хоть комментарий.
- если ничего своего (даже комментариев) написать не можете/не в силах, то становитесь просто ПЧ, а не участниками.
За несоблюдение правил участник будет удален без предупреждения.

Уважайте друг друга и приятного Вам общения!

@темы: сообщение администратора